le promeneur du 68

A l'opéra au Met : une "Ile Enchantée" magique

2012-01-23T20:36:00.000+01:00

"The Enchanted Island", "l'Ile Enchantée", opéra "pasticcio" en 2 actes sur des airs de Haendel, Vivaldi et Rameau (entre autres), retransmis du Met samedi 21 Janvier, au Kinépolis de Mulhouse a été pour moi un moment d'émotion, de pure magie et d'humour .

Le Met nous a surpris par cette première mondiale : nous étions au XVIII° siècle...ou presque avec cette production inédite créée le 31 décembre 2011.

Cette production renoue avec la tradition baroque du "pasticcio" (pâté fait d'ingrédients hétéroclites).
Ce style raffiné et plein de gaité était très prisé aux XVII° et XVIII° siècles.

Le livret original de Jeremy Sams (en anglais rimé!) reprend en effet des éléments des intrigues de "La Tempête" et du "Songe d'une nuit d'été" de Shakespeare, en un mélange tout à fait heureux et surprenant.

A l'intrigue et aux personnages de la première pièce (Prospero, Miranda, Sycorax, Caliban, Ariel) se mèlent des éléments de la seconde (Les deux couples ).

David Daniels

Mais le "pasticcio" est aussi musical : le brillant chef d'orchestre William Christie a harmonieusement mélangé à sa façon des oeuvres de Haendel, Vivaldi, Rameau, Leclair, Campra...Le tout est très cohérent!

Joyce DiDonato

Et puis, quel plateau de stars de l'opéra!

Non seulement le Met nous a offert le vétéran Placido Domingo en Neptune, mais aussi le contre-ténor David Daniels en Prospero, la formidable Joyce DiDonato en Sycorax (que nous avions déja admiré dans Le Comte Ory) et la merveilleuse et ravissante Danielle de Niese en Ariel : un enchantement!

Danielle de Niese

Luca Pisaroni en Caliban est formidable et méconnaissable.

La magie des décors, mélange surprenant de décors "XVIII°" , peints à plat sur des toiles, et d'effets spéciaux, n'a pas été pour rien dans l'enchantement de ce spectacle.
Tous les détails ici.

Ecoutez donc :
David Daniels (Prospero) : ici.
Joyce DiDonato (Sycorax) : ici.
Danielle de Niese (Ariel) : ici.

George Hendrik Breitner, pionnier de la photographie de rue

2012-01-21T15:34:00.001+01:00

George Hendrik Breitner (1857-1923), l'un des plus grands peintres néerlandais de la fin du XIX° et du début du XX° siècles, est à l'honneur en ce moment à l' Institut Néerlandais à Paris.
Et ce, jusqu'à demain.
Mais c'est son oeuvre photographique que j'ai pu admirer, présentée pour la première fois à Paris.

Comme toute une génération de peintres, comme Degas, Vuillard, Bonnard, Breitner était amateur de photographie.

Etaient exposées, au Centre Culturel des Pays-Bas (Institut Néerlandais), des scènes de rue, des personnages dans la neige, des vues au crépuscule, des ouvriers au travail (Amsterdam à cette époque était un véritable chantier), des clichés de chevaux et des scènes de cavalerie, des vues d'Amsterdam.

Ce sont pour la plupart des photos "instantanées", souvent floues, "bougées", qui révèlent un "point de vue" remarquablement moderne.

Ses clichés témoignent d'une attitude audacieuse pour l'époque : contre-jours, mouvements, points de vue insolites, bas, ou élevés,...

Ses photos ne brillent pas par leur perfection technique : sous-exposition, manque de contraste fréquent, tonalités souvent grisâtres, mais son seul but était que le sujet soit plus ou moins reconnaissable.

D'autres clichés, par contre, montrent une facture plus classique : poses soignées, photos de nus, portraits,...

Breitner quittait rarement sa maison ou son atelier sans son carnet de croquis, sa mallette de peinture, et...son appareil photo.

C'est ainsi qu'il nous a transmis un trésor de près de 2850 négatifs et tirages de sa main.
Cette exposition est composée à partir des collections du Rijkmuseum d'Amsterdam et du RKD (Office National de la Documentation de l'Histoire de l'Art) à La Haye (Voir ici).

Ce fut pour moi une véritable découverte, un sujet d'étonnements et un grand plaisir.

Voir Mon site Photos.

Photographie : Paul Strand et Henri Cartier-Bresson au Mexique

2012-01-18T11:50:00.002+01:00

Hier, j'ai vu avec grand plaisir, à la Fondation Henri Cartier-Bresson, à Paris, l'exposition "Henri Cartier-Bresson Paul Strand MEXIQUE 1932-1934" (Du 11 Janvier au 22 Avril 2012).

Je vous la recommande : les expositions organisées par la Fondation HCB sont toujours passionnantes.
De plus, le livre de très grande qualité typographique édité par Steidl à cette occasion est magnifique.

Paul Strand (Nets)

A l'automne 1932, le photographe américain Paul Strand (1890-1976) part au Mexique à l'invitation du Ministère de l'Education mexicain.
Il travaillera dans les rues du Mexique, exposera ses photographies et rencontrera un succès populaire qui le comblera.

Paul Strand (Woman of Alvarado)

Henri Cartier-Bresson (1908-2004), lui, est engagé en 1934 dans une mission ethnographique française.
Arrivé au Mexique, cette mission qui devait le conduire en Argentine n'aura pas lieu, et il passera une année sur place, totalement fasciné par ce qu'il voit.
Il a alors 26 ans.
Il quittera le Mexique pour New-York avec la ferme intention de devenir cinéaste.

Henri Cartier-Bresson (Prostituées, Mexico)

Le jeune Paul Strand suivit en 1906 les stages d'initiation à la technique photographique professés par Lewis Hine (Voir ma note sur Hine ici ) à l'Ethical School of Culture de New York.

"La visite faite avec Hine à la Galerie 291 (créée en 1905 par Stieglitz et Steichen) fut un grand choc, qu'il rapporta en ces termes :
"Ce jour là j'ai su ce que la photographie pouvait provoquer sur le spectateur.
Les images exposées sur les murs du 291 ressemblaient à des photographies et pas seulement à des déclics...
Cette après midi là fut merveilleuse et décisive."
Stieglitz devint son maître ; il exposera au 291 en 1916." Agnès Sire

En 1932, il s'éloigne de l'influence de Stieglitz...
Au Mexique, Paul Strand est en pleine maturation de son style.

"La critique et amie de Strand, Elisabeth McCausland écrivait dans U.S. Camera en 1940 :
"Au delà des images indéchiffrables de ces hommes, femmes et enfants, se cachent des siècles de travail, de souffrance et de mort."" Agnès Sire.

Les oeuvres et les parcours personnels de Paul Strand et de Henri Cartier-Bresson ont peu de points communs.
Leur seul point commun et terrain de partage est leur engagement auprès des forces de gauche, et ce voyage que chacun effectua au Mexique dans les années 1930.

La mise en perspective, lors de cette belle exposition, des regards passionnés et passionnants sur le Mexique de ces deux photographes parmi les plus importants du XX° siècle est un évènement !

Ne manquez pas cette exposition!

Voir "Mon site Photo"

Sur la trace des sorcières au Bollenberg, en Alsace

2012-01-05T12:27:00.001+01:00

Mardi, nous avons profité d'une courte accalmie climatique pour nous promener au Bollenberg.
Pas de pluie donc, mais un vent glacial et une vue dégagée.

Le Bollenberg, situé dans le Haut-Rhin, en Alsace, est une colline de 363 mètres d’altitude, bien détachée des Vosges, formée de calcaire jurassien et située entre Rouffach, Orschwihr (ci dessous) et Westhalten.

Ce nom dérive certainement de "Belen" ou "Belenus", dieu celte du feu, associé à la vie pastorale.
Sur ce "Mont de Belen", les Celtes ont probablement pratiqué le culte solaire, comme au Petit et au Grand Ballon, et sur les Belchen de la Forêt Noire. Sur ces sommets était célébrée, le 1° mai, la fête de la purification du feu.

Ce site, zone protégée, bénéficie tout au long de l'année d'un ensoleillement exceptionnel (il n'y pleut en moyenne que 350mm d'eau par an, aussi peu que dans les Calanques marseillaises) qui y favorise la présence d'une faune particulière, méditerranéenne : la huppe fasciée, le torcol fourmilier, le lézard vert, la mante religieuse...
Sur ce site, dont les abords constituent un terroir viticole renommé, nous observons la pousse d'une flore rare (variétés d'orchidées, origan,...) et de plantes médicinales, qui, de tout temps ont attiré herboristes et guérisseurs de tous poils.
De là à assimiler, dans des temps reculés, ces derniers à des sorciers et sorcières, il n'y avait qu'un pas.
Quoiqu'il en soit, le Bollenberg a toujours été considéré comme un lieu de Sabbat et de débauches.

Les légendes, nombreuses, décrivent les rencontres maléfiques faites par des marcheurs égarés la nuit sur le Bollenberg.
A Rouffach, non loin, se dresse toujours la "Tour des Sorcières" (Hexenturm), où furent enfermées, au XVI° et XVII° siècles les personnes accusées de sorcelleries, qui avaient alors peu de chances d'échapper au bûcher.
A Rouffach, en 1615, il n'y eut pas moins de 62 procès en sorcellerie, paraît-il.

Chaque année, la veille du 15 Août se déroule au Bollenberg, en souvenir de ces exécutions, le Haxafir, crémation de la sorcière : bûcher, feu d'artifice et tartes... flambées.

A noter également la grande manifestation qui se déroule à Rouffach, la Fête de la Sorcière, qui attire chaque année, en une journée, plus de 10 000 visiteurs (prochaine édition, la 19°, le 21 Juillet 2012).

En tout cas, le Bollenberg est un lieu magique pour les naturalistes et les randonneurs, l'un allant souvent de pair avec l'autre.

Partis d'Orschwihr, nous avons fait une pause à la Chapelle du Bollenberg, dédiée à Ste Appolonia, invoquée pour soulager les maux de dents ( durant son martyr, le bourreau lui avait arraché les siennes!), et construite fin XIX°, pour mettre fin au rassemblement des sorcières sur ce site.
La chapelle est construite sur les restes d'une chapelle et d'un cimetière mérovingiens.

De là, la vue, magnifique, s'étend sur la plaine d'Alsace et nous apercevons nettement la Forêt noire, et plus au sud, les Alpes suisses (Eiger, Jungfrau,...).

Le circuit nous mène, au travers d'un plateau particulièrement venté utilisé par les aéromodélistes, au restaurant du "Vieux Pressoir", et par une grande boucle, à nouveau à Ste Appolonia.
Belle vue sur les sommets (modérément) enneigés des Vosges.

Ce petit circuit agréable de 5km, 2h et 100m de dénivelée nous a permis de nous oxygéner en douceur, pour la reprise de nos activités de randonnées, après les fêtes de fin d'année, avant d'aller...boire le verre de l'amitié à Rouffach, non loin de la Tour des sorcières.

L'Univers d'Edvard Munch

2011-12-26T10:53:00.000+01:00

"L'Univers d'Edvard Munch", tel est le titre d'une magnifique exposition qu'il m'a été donné de voir il y a deux jours au Musée des Beaux-Arts de Caen.

A vrai dire, j'hésitais à voir une nouvelle exposition sur Munch, après mon expérience récente décevante au Centre Pompidou à Paris.
En effet le Centre Pompidou nous a donné une présentation assez confuse, et baignant dans une sorte de sentimentalisme, de l'oeuvre, à mon sens difficile d'accès, d'Edvard Munch, mis à part peut-être le côté "photographe" de Munch...et encore.

A contrario, l'exposition présentée à Caen, jusqu'au 22 janvier 2012, dans le cadre de la XX° édition du Festival "Les Boréales" est excellente et m'a permis de rentrer dans l'oeuvre de celui qui est considéré, à juste titre, comme le plus grand peintre de l'Europe du Nord. Elle a en effet été conçue comme une introduction à l'oeuvre de l'artiste et a ainsi parfaitement rempli ses objectifs, en ce qui me concerne!

Edvard Munch (1863-1944) est contemporain de Gauguin et de Van Gogh.
Il a été non seulement témoin, mais acteur de la grande aventure de l'art moderne qui a pris corps après la période de l'impressionnisme.

J'ai vraiment apprécié la présentation thématique des oeuvres : Mélancolie, Norvège, Mort, Couples, Femmes, Angoisse.
J'ai apprécié également la façon dont les techniques étaient présentées (peinture, gravure sur bois, lithographies) et se renvoyaient l'une à l'autre : un face à face organisé avec la complicité de deux collections norvégiennes.
Il s'agit du legs Rasmus Meyer, provenant du Kunstmuseum de Bergen et de la collection Gundersen d'Oslo.

J'ai découvert les lithographies et gravures sur bois de Munch avec très grand plaisir, dont une version gravée du Cri.

Munch jeune artiste a découvert l'estampe, a appris la lithographie et l'art exigeant de la gravure sur bois, et ces moyens d'expression sont particulièrement bien représentés dans l'exposition.

Munch a atteint, à mon sens, par la lithographie et la gravure, un mode d'expression personnelle plus aboutie qu'en peinture!

(NB : J'avais déjà eu l'occasion d'ailleurs de découvrir et d'apprécier dans ce même Musée des Beaux-Arts de Caen les oeuvres gravées de nombre d'impressionnistes, à croire que les conservateurs de ce beau Musée s'en font une heureuse spécialité!)

Mélancolie:

"Je ne peins pas ce que je vois, mais ce que j'ai vu. Je peins et je pense dans le présent. Je vis dans le passé et dans le futur."

Norvège :

"J'étais déjà un être malade en venant au monde.La neige froide recouvre mes racines. Le vent glacial a empêché mon arbre généalogique de croître. Le soleil brûlant de la vie ne brille pas sur cette jeune feuille verte. Ainsi l'arbre de ma vie était maudit dès le départ. Ce que je compris très tôt. C'est ainsi que mon seul espoir est devenu un escalier étroit, un escalier solitaire, qui finalement pourrait m'offrir une ouverture lumineuse sur la vie."

Mort :

"J'ai reçu en héritage deux des plus terribles ennemis de l'humanité - la tuberculose et la maladie mentale - la maladie, la folie et la mort étaient les anges noirs qui se sont penchés sur mon bearceau."

Couples :

"Ce combat entre l'homme et la femme que l'on appelle l'amour."

Femmes :

"Je n'ai jamais aimé. J'ai ressenti l'amour qui déplace les montagnes et transforme les êtres - l'amour qui déchire, fait chavirer le coeur et boire le sang. Mais je n'ai pas pu dire à quelqu'un - femme, c'est toi, je t'aime. Tu es tout pour moi."

Angoisse :

"Je marchais sur la route avec deux amis - le soleil se couchait - je sentis comme une bouffée de mélancolie - le ciel devint soudain rouge sang. Je m'arrêtai et m'adossai épuisé à mort contre une barrière - je vis les nuages flamboyants comme du sang et une épée, la mer et la ville d'un noir bleuté. Mes amis poursuivirent leur chemin, je restai là frissonnant d'angoisse, et je sentis comme un grand et interminable cri traversant la nature."

Voir le beau numéro Hors Série de "Connaissance des Arts" consacré à cette exposition de Caen :

"Munch n'a pas fondé d'école, mais la présence de son art est aujourd'hui intacte, tout comme sa sincérité, sa spontanéité, son âpreté aussi, en un mot, sa modernité"

Cesaria Evora !

2011-12-18T08:28:00.000+01:00

Très touché par la disparition de Cesaria Evora
le 17 décembre 2011.

Un hommage avec ce chant magnifique :

http://www.youtube.com/watch?v=lzy-shoMzvQ

Le Faust de Murnau, 1926, ou la lumière contre les ténèbres

2011-12-14T11:52:00.001+01:00

Après avoir vu le "Faust" de Gounod transmis depuis le Met (voir note précédente), je revois avec bonheur les images splendides en Noir et Blanc du film "Faust" de Murnau, dont j'ai le DVD.

"Faust, eine deutsche Volkssage" (Faust, une légende allemande), tel est le titre du chef-d'oeuvre (muet et N&B) réalisé en 1926 par Murnau (1888-1931) .

Avec : Gösta Ekman (Faust) ; Emil Jannings (Méphisto) ; Camilla Horn (Marguerite).

Ce film magnifique impose Murnau, aux côtés de Fritz Lang et de Georg Wilhelm Pabst, comme l'une des principales figures du cinéma allemand.

Le film reprend la légende du XVI° siècle de Faust.

Méphisto, le Mal incarné, est sûr de triompher de l'intelligence humaine, suite à un pari avec l' Archange.

Il choisit comme victime le vieux et pieux savant Faust, l'alchimiste.

Méphisto déchaine la peste sur le monde ; impuissant devant ce fléau, le vieux savant invoque le Démon, qui répond à ses invocations, et le fléau cesse net.

Méphisto transporte alors Faust au dessus des villes et des pays et lui fait entrevoir merveilles et richesses.

Faust se laisse tenter, avide d'y prendre part, pressé de retrouver pour toujours la jeunesse qui lui permettra d'en profiter.

Il vend alors son âme au diable.

Faust redevenu jeune séduit Marguerite, tue son frère, Valentin, qui s'opposait à lui.

Accusée, Marguerite est conduite au bûcher.

Desespéré, Faust maudit le charme dont il a été la victime, redevient un vieillard et s'en va mourir sur le bûcher auprès de sa bien aimée : le pacte diabolique est rompu par l'amour!

Les puissances spirituelles de l'Archange et de Méphisto dominent totalement les humains.

Par le pacte maléfique, il y a fusion momentanée entre Faust et le divin "négatif", mais à la toute fin, le vieux savant rejoint l'instance divine "positive".

Seul le vrai et pur amour peut expier les péchés des hommes!

Ce film, dans son audace extraordinaire, est teinté d'expressionisme pictural et poétique.

La lumière crée des formes magnifiques qui se détachent du fond.

A certains moments, la notion de contour disparaît au profit d’un contraste fort de valeurs claires et sombres, mais à d'autres moments, ce qui ressort avant tout c’est l’uniformité du gris.

Le mythe de Faust, vu par le génie créateur de Murnau célèbre le combat de la lumière contre les ténèbres, dans des jeux de clairs-obscurs absolument magnifiques qui ne peuvent qu'enthousiasmer le photographe adepte du Noir et Blanc que je suis!

Voici 3 extraits du Faust de Murnau :

     *Ouverture :
http://www.youtube.com/watch?v=0_wG-xrOXfY&feature=related
     *Evocation de Méphistophélès :
http://www.youtube.com/watch?v=7TCfNFckx6Q
     *Le pacte avec Méphistophélès :
http://www.youtube.com/watch?v=1ybaJulsT48&feature=related

A l'opéra au Met : un Faust du XX° siècle

2011-12-13T13:50:00.004+01:00

"Faust" de Charles Gounod fut joué pour la première fois le 19 mars 1859 sur la scène du Théatre Lyrique à Paris.

L'oeuvre n'a jamais quitté le répertoire : elle est devenue extraordinairement populaire : Faust a été joué plus de 2000 fois au Palais Garnier, à Paris.

Gounod a commencé à travailler à cet opéra à l'âge de 24 ans!

Les librettistes de Gounod, Michel Carré et Jules Barbier ne cherchèrent pas à utiliser tout le Faust de Goethe, mais portèrent l'accent sur l'histoire d'amour de Faust et de Marguerite.

Comme l'opéra n'était pas d'une entière fidélité à Goethe, les allemands préférèrent lui donner le nom de l'héroïne : Margarethe.
En effet, Faust (le "poing") est un monument de la culture allemande et de la culture universelle, au même titre que "Don Quichotte" ou "La Divine Comédie", ou le théatre de Shakespeare.

L'enjeu de Faust est des plus fascinants : il ne s'agit plus de péché, de caractère insatisfait ou rebelle, mais tout simplement du sens de la vie et du salut. Ce qui est en jeu : la damnation, l'essence même du mal, la négation à l'état pur : le diable en personne!

Le personnage de Faust existait avant Goethe, mais c'est le "prince des lettres allemandes" qui, après 60 années de travail, lui a conféré sa dimension universelle, à la fois savante et populaire.

Faust existera aussi après Goethe, en particulier par le mythique film muet de Murnau datant de 1926, que j'ai le bonheur d'avoir en DVD avec Gösta Eckman, Camilla Horn et Emil Jannings.

Cet opéra a connu une longue carrière internationale et a été choisi pour la soirée d'ouverture du Met, en 1883!

Faust fait désormais partie des 10 opéras les plus joués au Met.

Ce n'est pas pour rien que l'on a surnommé le Met le "Faustspielhaus", en référence, et par jeu de mot, au "Festspielhaus" de Bayreuth, le temple wagnérien !

Le Faust du cauchemard médiéval a un côté d'humaniste de la Renaissance, prêt à risquer la possibilité de son salut pour arriver, par la connaissance et l'amour, à un statut surhumain.

Mais celui qui est mis en scène par Gounod n'est plus que le détestable exemple d'une science sans conscience et sans foi. L'orgueil de son Faust n'a d'égal que la dépravation morale qui s'ensuit, sa lâcheté, l'abandon de Marguerite et de son enfant.

Mais revenons à la mise en scène de Des McAnuff, que nous avons pu apprécier, dans cette retransmission du samedi 10 décembre, depuis le Met, au Kinépolis de Mulhouse.

Le côté "science sans conscience ni foi" que je mentionnait est mis encore plus en relief car nous sommes plongés dans un laboratoire de recherche scientifique au moment du développement des recherches atomiques, au milieu du XX° siècle. Les images de destruction (Hiroshima, "la" bombe A, etc,...) et le côté "métallique" et froid des décors sont là pour accentuer le propos. J'ai été surpris mais j'ai aimé.

De grands moments de bonheur pour les auditeurs, de par les duos, trios, choeurs, solistes, qui nous font passer par tous les registres de l'émotion, tout au long des trois actes.

Le ténor Jonas Kaufmann, déjà entendu dans Wagner (Siegmund, dans Die Walküre, ici) est parfait dans le rôle titre : style et diction impeccables. Je dois dire que j'ai nettement préféré l'interprétation de Jonas Kaufmann à celle de Roberto Alagna!

René Pape, basse formidable, déjà entendu dans Boris Godounov (ici) est absolument magnifique, entre autres dans le chant fantastique et la danse qui s'ensuit : "le veau d'or est toujours debout", commentaire cynique sur le culte que les hommes vouent à Mammon.

Marina Poplavskaia, soprano, en Marguerite, jeune ingénue dévote a su nous émouvoir plus d'une fois. Nous l'avions entendu dans le rôle d'Elisabeth de Valois dans le Don Carlos de Verdi : ici.

Une excellente soirée!

Quelques moments de ce bel opéra enregistrés au Met :

* Méphisto : "Le veau d'or est toujours debout"

http://www.youtube.com/watch?v=oYBqNJk7RaE

* Prologue : Faust et Méphisto

http://www.youtube.com/watch?v=UqLgTgNYt78&feature=relmfu
* Duo Faust et Marguerite

http://www.youtube.com/watch?v=pxhNdWKwE0Q&feature=related

Voir également ici sur le blog ami de JCMEMO.

Un opéra baroque au Met : Rodelinda de Haendel !

2011-12-05T20:38:00.001+01:00

Une expérience étrange, surprenante, que celle d'écouter un opéra baroque transmis depuis le Met, à New York, au Kinépolis de Mulhouse !

Rodelinda de G. F. Haendel (1685-1759) fut écrit pour la Royal Academy of Music en 1719 et joué pour la première fois à Londres en 1725.
Le livret est d'Antonio Salvi d'après la pièce de Pierre Corneille: "Phertharite, roi des Lombards".
Voir le synopsis (en anglais) ici.

Bien que peu connu actuellement, cet opéra fut à l'époque l'un des plus grands succès de Haendel.

La musique des opéras de Haendel est l'une des plus accomplies de la première moitié du XVIII° siècle.

Ce qui fait que notre expérience, en écoutant Rodelinda, nous laisse un goût d'étrangeté, de surprise, de demi-teinte, c'est que nous nous trouvons face à des conventions musicales et scéniques de l'époque, qui ont été respectées au Met, et qui nous sont en fait totalement étrangères.

Les arias y règnent, avec de très nombreuses reprises (une dizaine de fois pour chaque air) qui, à chaque fois, sur les mêmes paroles, expriment des sentiments différents : la tristesse, l'intention amoureuse, la compassion, le désespoir, la détermination,...

L'intrigue est connue d'avance et ne laisse pas place à la surprise.

Les déplacements scéniques et les gestes des interprètes obéissent à des codes et sont là pour renforcer les sentiments ; ils nous semblent aujourd'hui bien artificiels!

Si nous ajoutons l'interprétation des deux contre-ténors Andreas Scholl, dans le rôle de Bertarido et Iestyn Davies, dans celui d'Unulfo, le "dérangement" est total.

Les castrats étaient follement à la mode à l'époque de Haendel, mais aujourd'hui, les contre-ténors dans un opéra surprennent, c'est le moins qu'on puisse dire!

Andreas Scholl est l'un des spécialistes les plus réputés du baroque ; j'ai trouvé dans sa prestation d'un rôle extraordinairement difficile une technique parfaite, un beau timbre, mais un volume particulièrement faible, certainement du à la virtuosité requise, qui donnait finalement quelque chose d'un peu terne...

Je me demande ce que pouvaient bien entendre les spectateurs dans la grande salle du Met!

Par contre, Iestyn Davies ci-dessus, nous a offert une interprétation plus "brillante".

Quant à Renée Fleming, Ah, parlons de Renée Fleming, en belle Rodelinda rousse!

Rodelinda exprime à la fois les souffrances et la fidélité, mais aussi une force de caractère au service de la défense de son fils et de la mémoire de son époux : rôle difficile.

Renée Fleming aime chanter le baroque, mais ce n'est pas sa spécialité : elle me semble avoir eu des difficultés tant avec les aigus qu'avec le rythme.
Toutefois son interprétation de "Io t'abbraccio", avec Scholl était magnifiquement émouvante.

Stéphanie Blythe était parfaitement à l'aise dans le rôle d'Eduige.

Un très bel ensemble baroque avec clavecins, flutes à bec et théorbe dirigé par Harry Bicket.
Production de Stephen Wadsworth de 2004.

En résumé, un opéra en trois actes qui peine à démarrer (seulement vers le milieu du 2° acte), une superproduction (à l'américaine avec effets impressionnants de changement de décors), pour un opéra baroque qui devrait être plus intimiste à mon goût : une surprenante mais bonne soirée, finalement!

Ecoutez Andreas Scholl :
http://www.youtube.com/watch?v=t2Q6V4x_mf8&feature=related

En Alsace, à l'Opéra du Rhin : "La Bohème" de Puccini !

2011-11-25T08:43:00.001+01:00

J'ai assisté avec bonheur vendredit 18 Novembre, à La Filature de Mulhouse, à une émouvante "Bohème" de Puccini, dans le cadre de l' OnR (Opéra du Rhin).

Je ne me lasse pas de voir et revoir ce classique du répertoire, créé au Teatro Regio de Turin en février 1896.
Je me souviens de notre première "Bohème", dans un cadre unique : La Fenice, à Venise, quelques années avant le malheureux incendie du 29 Janvier 1996.

Nous étions profondément émus, non seulement par le cadre magique ( La Fenice est en effet, avec la Scala de Milan et le Teatro San Carlo de Naples, l'un des temples les plus prestigieux de l'opéra italien), mais par l'interprétation magistrale à laquelle nous avions assisté.

Mais je reviens à La Filature, à Mulhouse : le canadien Robert Carsen nous a offert là une superbe mise en scène à la fois originale et classique.

Comédien à l'origine, Carsen a entamé ensuite une carrière de metteur en scène qui l'a conduit dans les théatres et les opéras les plus prestigieux : La Scala, le Liceu de Barcelone, La Fenice, l'Opéra de Paris où il a signé dix productions, à Amsterdam, Cologne, Vienne, Chicago et au Met à New-York.

Il est régulièrement invité à l' Opéra des Flandres où il a mis en scène, entre autres, les sept principaux opéras de Puccini.

Justement, cette magnifique "Bohème " était une production de l'Opéra des Flandres.

Pour "La Bohème", son quatrième opéra, Puccini et ses librettistes, Giacosa et Illica, se sont inspiré des "Scènes de la vie de Bohème" d'Henry Murger : de jeunes artistes, à Paris, au XIX° siècle mènent une existence misérable, faite de joies, d'amourettes et de peines.

Les amours de ces héros "ordinaires" se font et se défont ; la pauvreté et la maladie sont là, qui mettent à mal les instants de bonheur fragile.

Jeunesse, gaîté, poésie, rêves se métamorphosent, au contact de la dure réalité quotidienne, en nostalgie, mélancolie, espoirs vite déçus.

Puccini reproduit dans ce bel opéra, avec beaucoup de subtilité, la cohabitation du tragique et de l'humour, qui est la trame même de la vie.

Puissante interprétation de l' Orchestre symphonique de Mulhouse sous la direction musicale de Stefano Ranzani, et choeurs et maîtrise de l'OnR vivants, colorés et dynamiques : voila qui a contribué à mon (notre) bonheur.

Virginia Tola (à gauche) a su traduire de façon bouleversante le denuement, les espoirs déçus et la tragique fin de Mimi.

Enrique Ferrer (Rodolfo), Thomas Oliemans (Marcello) et Yuriy Tsiple (Schaunard) traduisent à merveille l'insouciance bohème d'une jeunesse qui attend la chance qui lui apportera la gloire dont elle rêve.

Agnieszka Slawinska campe quant à elle une Musetta séductrice, légère et tragique.

Les interprêtes ont su nous entraîner et nous faire participer avec émotion au mouvement d'humanité qui les soulève et les transforme pour tenter à la fois de sauver Mimi et de sauver leurs rêves.

Lorsque Mimi s'éteint, ils regardent alors la mort en face, et nous avec eux...

Promenade en Alsace, au grand et au petit Hohnack

2011-11-21T06:57:00.011+01:00

Hier, profitant d'une belle après midi d'automne, nous sommes montés en hauteur, dans les Vosges, au dessus de la nappe de brume qui s'étendait sur la plaine d'Alsace.

Notre agréable petit circuit de 2h nous a mené, en partant de la "Croix de Wihr" (890m, au dessus de la Vallée de Munster), par les hauteurs boisées, sur deux sites souvent ignorés : le sommet du Grand Hohnack (982m) puis celui du Petit Hohnack (927m).

A la Croix de Wihr : un mémorial du 152 RI, avec l'inscription : "Ici, le 19 Août 1914, le III° Bataillon du 152 RI surprit le Régiment de Landwehr Bavarois et après un combat de 5 heures, les tailla en pièces. "

Sur le sommet du Grand Hohnack on découvre de mystérieuses roches à cupules.

Ces cupules sont des creux circulaires faits par l'homme (préhistorique?) à la surface de certains rochers.
On ignore le pourquoi de ces cupules et l'usage exact qui en était fait (libations rituelles?).

Quelques vestiges de la Grande Guerre par ci, par là, comme partout dans les Vosges.

En tout cas, un magnifique point de vue s'offre au randonneur dans les trouées des arbres.

Sur le sommet du Petit Hohnack, le marcheur découvre une belle ruine médiévale, la plus haute d'Alsace après le château du Freundstein.

Ce château fut construit en 1079 par les Comtes d'Eguisheim-Dabo. Il passera ensuite sous la tutelle des Ferrette, puis de l'Evêque de Strasbourg, puis de l'Evêque de Bâle, puis des Ribeaupierre.

Vers la fin du XIV° siècle, une complexe affaire de succession entre Brunon de Ribeaupierre, Jean de Lupfen et Conrad de Sarrewerden n'a pu être résolue que par...la Maison d'Autriche.

Louis XIV ordonnera, en 1655, de démanteler ce chateau (comme tant d'autres...).

Après la Révolution les restes du château sont vendus comme biens nationaux : il finira par servir de carrière de pierres.

Il est composé d'une vaste enceinte polygonale flanquée de quatre tours, avec donjon central...

Du chateau, le randonneur est récompensé par une vue magnifique sur le Val d'Orbey, la plaine d'Alsace embrumée, et plus loin les hauteurs de la Forêt-Noire.
Nous avons même aperçu nettement au loin les Alpes Suisses : l'Eiger (3970m), le Mönch (4099) et la Jungfrau (4158)!

Le Château du Petit Hohnack est situé sur la commune de Labaroche (Qui s'appelait Festum en 1114, puis Celle en 1302, puis pris son nom de Labaroche au XVI° siècle, puis reçut le nom de Zell sous l'occupation allemande en 1870...).

A noter que la Commune de Labaroche a adopté en 1974 les armoiries de la Seigneurie
de Hohnack, qu'il faut lire ainsi : " d'argent à trois têtes d'aigles arrachées, de sable, becquées et couronnées d'or, lampassées de gueules. "

Musique malienne : Vieux Farka Touré, le "Hendrix du Sahara", au "New Morning", à Paris!

2011-11-18T09:58:00.005+01:00

Vieux Farka Touré , le " Hendrix du Sahara ", est un musicien et chanteur malien, fils d' Ali Farka Touré (qui était considéré comme l'un des principaux guitaristes de blues africains).

Il est reconnu internationalement, la preuve : il a été invité à la cérémonie d'ouverture de la Coupe du Monde de foot en 2010, où il a chanté, de fait, "devant" un milliard d'auditeurs...

Ce magnifique musicien malien établit un pont entre blues, culture africaine et américaine, entre modernité et tradition : tout pour me plaire, moi qui raffole des musiques "métissées", et des musiciens maliens en particulier. Je serai d'ailleurs en février au Festival de Musique sur le Niger de Ségou!

Il entreprend une tournée mondiale aux USA et en Europe, suite à son dernier album "The Secret".

L'ambiance, lundi 14 novembre, au "New Morning", pour son passage à Paris était plus intime ...qu'à la cérémonie de la FIFA, mais néanmoins chaude : très chaude ambiance communicative créée d'emblée par Vieux Farka Touré, sourires et rires bon enfant, respect du public, enthousiasme dansant car avant tout VFT est un musicien hors pair qui sait communiquer, dans l'amour du rythme et des gens.

En un mot : formidable!

Voir son site ici.

Voir VFT, lors d'un concert aux USA :
http://www.youtube.com/?v=_Mh74XLcwn0&feature=related

La photographe Diane Arbus, à Paris : une violente objectivité

2011-11-16T11:55:00.022+01:00

L'exposition consacrée à la photographe américaine Diane Arbus, qui se tient en ce moment au Musée du Jeu de Paume à Paris (jusqu'au 5 février 2012) m'a profondément remué.

Les images de Diane Arbus (plus de 200 clichés exposés) sont singulièrement puissantes.

Elles se veulent objectives.Je les ai trouvées cruelles, violentes.
Elles se veulent sans affect, sans jugement.

De cette volonté même jaillit leur force incroyable.

Elles se situent dans la lignée de l'oeuvre "documentaire" de Walker Evans (voir ici).

Selon les propres mots de l'artiste :
" Une photographie est un secret sur un secret. Plus elle vous en dit, moins vous en savez. "

Diane Arbus (New-York 1923-1971) est une figure majeure de l'art du XX° siècle.
Elle concentre son travail sur New-York et ses alentours, et tout particulièrement sur des individus "hors normes", à la marge, sur le fil du rasoir : travestis, personnes de petite ou de très grande taille, handicapés, jumeaux,...

En dressant un portrait à la fois familier, troublant et cru - voire glauque - de l'Amérique des années soixante, Diane Arbus réussit à traduire son mal de vivre qui l'amènera à mettre fin à ses jours en 1971

Sa réflexion sur l'identité et les apparences, au travers de ses clichés stupéfiants de travestis, d'handicapés déguisés ou d'américains "moyens" nus dans des camps de nudistes ne peut laisser le spectateur indifférent.

D'autant plus que nombre de sujets photographiés nous regardent en face, nous interpellent...

J'avoue avoir été profondément troublé et déstabilisé par cette exposition exceptionnelle...

Pour en voir plus :
http://www.youtube.com/watch?v=OF3JgdaASa8

Film turc : il était une fois en Anatolie, un certain regard...

2011-11-14T10:34:00.015+01:00

Le réalisateur turc Nuri Bilge Ceylan nous entraine, dans "Il était une fois en Anatolie", dans un road movie nocturne absolument étonnant et magnifique.

Je m'y suis laissé prendre totalement, malgré la lenteur et la longueur du film (2h30).

C'est qu'il s'agit non seulement, dans cette longue traversée nocturne de la steppe anatolienne, d'aller, à la lueur des phares, à la recherche d'un improbable cadavre, mais surtout de tenter de sonder au plus profond les âmes des protagonistes de cette étrange quête.

" Si vous voulez trouver quelque chose, il faut d'abord vous perdre! "

Nuri Bilge Ceylan brouille les pistes : un meurtrier guide un procureur, un médecin et des policiers à la recherche du corps de sa victime, de fausse piste en fausse piste.

Chacun d'entre eux, et à tour de rôle, "dirige" et entraine les autres à sa suite, dans sa propre errance.

Le spectateur finit par éprouver une sorte de tendresse pour ce meurtrier qui est pris de sanglots à l'apparition de la lumineuse jeune fille dans la nuit, lors d'une halte.

Les paysages désertiques du plateau anatolien, filmés de nuit, à la lueur des phares, tels des yeux qui sondent les ténèbres, nous donnent de magnifiques images dont chacune est un tableau qui m'a totalement transporté.

Lors de la séquence qui se déroule chez le maire d'un petit village où les protagonistes font halte, le réalisateur nous offre des images en clair obscur fantastiques, à la George de la Tour, où le visage de madone d'une jeune fille illumine et bouleverse la profonde nuit extérieure, mais aussi celle des âmes et des esprits.

Dans un second temps, le jour enfin levé, le réalisateur nous entraine dans la profondeur des drames intérieurs des personnages.

Personne n'échappe à son propre destin et aux drames de sa vie : pas plus le procureur, qui prend conscience d'avoir causé la mort de sa femme, que le médecin, divorcé, que le commissaire, torturé par le handicap de son enfant.

Nous sommes tous embarqués dans la même galère, sur une mer incertaine , pleine de risques et de mystères...

Les regards, dans ce chef d'oeuvre, sont omniprésents : interrogateurs, accusateurs, agressifs, ou bien intérieurs et pacifiés, des regards qui tels ceux du médecin, s'adressent par moment directement au spectateur : et vous, où en êtes vous?...

La découverte du cadavre, puis son autopsie ne nous livreront pas clairement la clef du mystère.
Il vaut mieux ne rien révéler de ce qui a pu causer la mort.

La raison profonde des actes des uns et des autres nous demeurera à jamais cachée.
Rien ne sert, finalement, de vouloir procéder à l'autopsie des âmes...

Voir :
http://www.youtube.com/watch?v=kYk2kJljBjA

Un exploit au Met : Siegfried!

2011-11-07T18:18:00.011+01:00

Je me souviendrai du "Siegfried" de Richard Wagner, retransmis samedi 5 Novembre du Met à New York au Kinépolis de Mulhouse, comme l'exploit du jeune ténor texan Jay Hunter Morris, pour sa prise de rôle, dans le rôle titre, dans ce magnifique opéra, en remplacement de Gary Lehman, souffrant.

Jay Hunter Morris débuta au Met en 2007 dans Jenufa de Janacek.

Il interprêta pour la première fois le rôle de Siegfried à l'Opéra de San Francisco l'été dernier.

Il a à son actif le rôle de Walther dans " les Maîtres Chanteurs de Nüremberg", d'Erik, dans " le Hollandais volant", et il chantera l'an prochain Tristan, dans "Tristan et Isolde".

Le rôle de Siegfried est particulièrement exigeant et éprouvant dans la mesure où Siegfried est totalement présent du début à la fin de cet opéra en 3 actes de 5h 15 (avec 2 entractes).

Samedi soir, Jay Hunter Morris a interprété un Siegfried jeune, un peu naïf, comme l'exige le rôle, mais impatient, impulsif, impétueux, plein de vie et prêt à tout pour se lancer à la découverte de l'amour.

Une voix de ténor magnifique, une grande présence théatrale, et, à la hauteur du jeune héros qu'il incarne, une énergie qui ne faiblit pas, du début à la fin de cette longue épopée : Bravo!

Siegfried est prêt à tout, puisqu'il ne connait pas la peur : prêt à se lancer à l'assaut de l'énorme dragon en lequel s'est transformé le géant Fafner, gardien de l'Or du Rhin.

Mais auparavant, prêt à en prendre les moyens : à se forger une nouvelle épée avec les débris de la magique Nothung (confiée par Wotan à son père Siegmund), prêt à tuer le gnome Mime, astucieux et fourbe, qui cherchait à l'empoisonner.

Siegfried n'est pas tout à fait un être libre de tout déterminisme, car issu de l'union incestueuse de Siegmund et de Sieglinde, mais, guidé par l'oiseau de la forêt, il partira avec la fougue de la jeunesse, à la recherche de la "vierge qui dort", qui n'est autre que la Walkyrie Brünnhilde, endormie dans son cercle de feu.

En chemin, il se heurtera violemment à Wotan (déguisé en homme : der Wanderer) ; il fera voler en éclats la lance du dieu, symbole de son pouvoir.

Plus rien ne l'arrêtera désormais : il part à la conquête de Brünnhilde, qu'il éveille à la vie, qu'il éveille à elle même.

Il sera d'avantage surpris, et stoppé dans son élan amoureux par les hésitations de la demi déesse devenue simple mortelle que par tous les obstacles qui s'étaient dressés auparavant sur sa route.

Décontenancé, Siegfried découvre une femme qui se découvre elle-même en rencontrant un amour aussi absolu et juvénile.

Siegfried aussi nait à lui même, et nous avons à la fin de l'Acte III un duo absolument magnifique, où les chants d'Amour et de Mort se mèlent et se répondent.

L'Or maudit des Nibelungen est loin...pour le moment, car on ne peut avoir à la fois l'Or et l'Amour!

J'ai retrouvé avec grand plaisir Bryn Terfel (baryton-basse), impressionnant dans le rôle d'un Wotan/Der Wanderer partagé entre les lois qu'il édicte et auxquelles il déroge, et ses sentiments et ses pulsions.

Deborah Voigt (soprano), toujours magnifique dans le rôle de Brünnhilde, qui lui va comme un gant : elle interprête à merveille la demi déesse qui se découvre simple mortelle.

(Voir mes notes sur l' Or du Rhin au Met ici, et sur la Walkyrie ici. )

Siegfried est le héros wagnérien par excellence, à l'écoute de la nature, des superbes murmures de la forêt, de l'oiseau magique. Mais c'est aussi le maître des forges et du feu des passions.

La mise en scène inventive et fabuleuse de Robert Lepage et la direction musicale précise de Fabio Luisi ont fait de cette soirée un moment mémorable!

Ecoutez la voix profonde et chaude de Siegfried/Jay Hunter Morris dans la caverne de Mime, en train de forger l'épée magique Nothung :

http://www.youtube.com/watch?v=MUeQn4TOyck

Découvertes au Musée suisse des transports à Lucerne

2011-11-04T10:55:00.011+01:00

La journée d'hier fut pour moi une journée de découvertes passionnantes au Musée suisse des transports de Lucerne (Verkehrshaus der Schweiz, Luzern).

Des découvertes diversifiées de l'évolution des transports, que ce soit sur route, sur rails, sur l'eau, dans l'air ou dans l'espace.

Inauguré en 1959, c'est le plus important musée du genre dans le monde, avec la particularité qu'il ne présente en majorité que des matériels conçus et réalisés en Suisse.

Je me suis rendu compte à quel point l'évolution des techniques avait une influence sur notre vie, dans la mesure où elle modifiait en permanence les conditions de notre mobilité.

Le travail créatif, acharné - et au prix de conséquences souvent dramatiques - des inventeurs, des chercheurs, des découvreurs, des ingénieurs et des ouvriers dessine là, devant nos yeux, l'histoire de notre civilisation, et la modification des rapports socio-économiques entre les hommes qui en découle.

Plus de 3000 machines et appareils, remarquablement bien présentés, sur 20 000 m2 nous font prendre conscience des racines techniciennes de notre civilisation et nous laissent imaginer les défis futurs qui seront relevés par des générations d'hommes et de femmes inspirés.

Les halls consacrés aux chemins de fer présentent, sur 8000 m2, plus de 60 locomotives à vapeur et électriques.

Nous avons admiré une locomotive à vapeur "éclatée" nous permettant d'en comprendre le fonctionnement sophistiqué, splendide réalisation technique.

Une autre magnifique réalisation : celle de la locomotive électrique pour train de marchandises "Crocodile" CFF 1920, qui porte en elle-même une idée géniale : le transformateur, élément le plus lourd est placé sur le pont central qui lui même repose sur deux chassis pivotants, ce qui donne à cette locomotive une aptitude exceptionnelle à circuler sur des voies sinueuses.

Belle réalisation technique de 126T, 2700kW, capable de tirer un train de marchandises à 75km/h, et qui fut en service jusqu'en 1982.

Je ne peux pas ne pas mentionner "l'oeuvre du siècle"présentée de façon didactique : le percement du tunnel du Saint-Gothard (1872-1882) : 4000 ouvriers - essentiellement italiens - ont travaillé sur les deux chantiers du tunnel.

C'était, à l'époque, le plus gros chantier de Suisse : long de 15km, il est resté, jusqu'à la date de percement du tunnel du Simplon en 1906, le plus long tunnel du monde, et le principal axe traversant les Alpes, du Nord au Sud.

L'Italie et l'Allemagne participèrent également (à hauteur d'1/3 chacune) au financement du projet.

En raison de l'absence de mesures de sécurité, près de 200 ouvriers trouvèrent la mort lors des travaux de percement!

L'ingénieur responsable, Louis Favre, périra lui aussi sur le chantier en 1879.

Pour la première fois, des foreuses à percussion et de la dynamite furent utilisés, préfigurant la mécanisation actuelle du percement des tunnels.

Ce tunnel relie Göschenen, au Nord, dans la Canton d'Uri, à Airolo, dans le Canton du Tessin.

Question mécanisation, justement : les tunneliers modernes ont permis d'achever, le 10 octobre 2010, après 14 ans de travaux (et 8 accidents mortels), le percement du nouveau tunnel du St Gothard, qui sera mis en service en 2017.

Ce sera le plus long tunnel ferroviaire du monde (57km) et il aura coûté 10 milliards de Francs suisses : une nouvelle "oeuvre du siècle", pour un siècle nouveau !

Une petite visite à Lucerne et au Verkehrshaus ci dessous :
http://www.youtube.com/watch?v=YkSDBfLpO8Q

La magie de Nils Udo et du Land Art

2011-11-02T10:33:00.007+01:00

Vu en Septembre l'exposition "Nils Udo, Nature" au Musée de la Poste, à Paris.

J'ai été fasciné, beaucoup plus par les photographies des réalisations étonnantes en pleine nature de Nils Udo, ce que l'on appelle le "Land Art", que par les peintures de l'artiste.

Nils Udo, né en Bavière en 1937, après des études d'arts graphiques, est devenu peintre.

Il abandonne la peinture, estimant qu'elle traite la nature de façon trop artificielle, pour étudier la photographie et la sylviculture.

Pour réaliser ses étonnantes créations en plein air, il emprunte tous ses matériaux à la nature, et les met en place de façon totalement inédite : arbres, fleurs, bambous, terre, pierre, eaux en mouvement, neige, écoulements de lave, etc.

Ses nids, construits en fait à partir de troncs de bouleaux, sont surprenants...et nous font perdre nos repères.

Il en est de même de ses alignements de fleurs le long de failles dans des écoulements de lave : gigantesques, ou minuscules mises en scène ?

Nils Udo intervient sur le paysage, le modifie, en révèle la beauté, une beauté qui n'est pas statique, car ses installations évoluent avec le vent, les marées et les mouvements de l'eau.

L'infatigable voyageur travaille en Europe, au Japon, en Israël, au Mexique,...

"La nature est le thème de ma vie, dit-il, mon art sort de cette expérience."

Ses oeuvres sont par définition éphémères, exposées aux intempéries et, à terme, à la disparition, d'où l'intérêt des photographies qui en ont été prises par l'artiste, et qui étaient exposées au Musée de la Poste.

Pour les artistes du Land Art, la nature n'est plus "représentée", mais c'est au coeur d'elle-même qu'ils travaillent. Ils veulent quitter les musées, leurs heures d'ouverture et leurs tickets, et offrir des oeuvres qui soient une véritable expérience au monde réel.

A noter que Nils Udo est proche d'un autre artiste du Land Art, à découvrir : Andy Goldsworthy.

Etonnant et déstabilisant!

Le peintre Thomas Moran, un "Turner américain"

2011-10-28T09:05:00.012+02:00

En juin de cette année, lors de notre circuit au Texas, nous nous sommes arrétés à Orange, non loin de la Louisiane, pour y découvrir le "Stark Museum of Art", une fondation privée où, à mon grand étonnement, nous étions les seuls visiteurs. Voir ici.

Petit musée, où tout le personnel s'est mis en quatre pour nous renseigner et nous faciliter la visite, mais grandes collections, de peintres de l'Ouest américain, d'objets d'art réalisés par les populations indiennes de l'Ouest (poteries, poupées hopis,...) et de livres rares et autres manuscrits.

J'aime, lors de mes voyages aux USA, découvrir les oeuvres d'artistes américains, photographes et peintres, ainsi que les créations d'artistes indiens, passées ou contemporaines. Et là, à Orange, j'étais servi!

Au "Stark Museum of Art", j'ai découvert des artistes, connus outre Atlantique, mais inconnus de moi, comme Frederick Remington, Albert Bierstadt et Thomas Moran.

Thomas Moran (1837-1926) grandit à Philadelphie, en Pennsylvanie, et, après un court apprentissage chez un graveur sur bois, s'est engagé dans la carrière de peintre professionnel.

Il a développé et exercé ses dons artistiques en observant et en peignant, sur le terrain, dans les forêts proches de Philadelphie.

Il a été fortement influencé par les oeuvres du grand peintre anglais William Turner (1775-1852). Il a d'ailleurs fait le voyage en Angleterre, en 1862, afin de pouvoir admirer les oeuvres de Turner de plus près.

Et, après avoir étudié les tableaux de Turner à Londres, il a voulu se rendre sur les sites mêmes où Turner avait puisé son inspiration, afin de pouvoir se rendre compte in-situ des libertés prises par l'artiste tant avec la topographie des lieux qu'avec la lumière et les couleurs.

Thomas Moran s'est tellement inspiré de Turner et de son art de rendre lumière, atmosphères et couleurs que ses contemporains l'ont très vite surnommé "le Turner américain"!

Les voyages qu'il entrepris dans l'ouest américain ont radicalement changé le cours de sa carrière artistique.

Il s'est ainsi rendu à plusieurs reprises dans la région de Yellowstone, accompagnant une expédition scientifique.

Ses aquarelles et huiles rencontrèrent un succès certain, au point qu'il signa désormais ses travaux TYM, c'est à dire Thomas "Yellowstone" Moran...

Après ces expéditions, l'idée germa alors que devrait être créé à Yellowstone un Parc National.

Les tableaux de TYM, exposés au Congrès américain, furent l'argument décisif qui amena à la création à Yellowstone, en 1872, du premier Parc National des Etats-Unis.

Thomas Moran continua à peindre avec inspiration et succès les splendides paysages de l'Ouest : au Grand Canyon, dans le Wyoming, dans les Rocheuses, au Grand Teton, où un sommet porte d'ailleurs son nom.

Son magnifique tableau intitulé "The Three Tetons" (1895) trône en bonne place - à côté du tableau représentant Georges Washington - dans le Bureau Ovale, à la Maison Blanche.

Plein d'énergie et de dynamisme, Moran continua à voyager et à peindre jusqu'à plus de 80 ans, encensé en tant que "doyen des peintres paysagistes américains" et "père des Parcs Nationaux".

De haut en bas : The three Tetons; Great Springs of the Firehole river (Yellowstone); Index Peak (Yellowstone); Yellowstone Canyon; Rainbow over the Great Canyon of the Yellowstone.

A Speyer, Palatinat : les Saliens, une puissance en évolution

2011-10-22T13:36:00.014+02:00

C'est sous ce titre (Die Salier. Macht im Wandel) que se tient actuellement, et jusqu'au 30 Octobre, à Speyer (Spire, en français), dans le Palatinat (Pfalz, en Allemagne) une remarquable exposition sur les Saliens, au Musée Historique (Historisches Museum der Pfalz Speyer).

Nous avons visité cette exposition vendredi dernier avec beaucoup d'intérêt et de bonheur.

Cette visite nous a permis d'admirer également le chef d'oeuvre qu'est la Cathédrale impériale de Speyer ("Une véritable merveille, qui mérite louanges et admiration"), qui fête en ce moment ses 950 ans.

La ville de Speyer fête également ses 900 ans d'accès au statut de ville franche impériale.

Musée et Cathédrale sont proches l'un de l'autre et une visite ne va pas sans l'autre.

L'exposition retrace d'une part 100 ans de pouvoir (XI° et début du XII° siècles) de la dynastie des Saliens, sur le Saint Empire Romain Germanique, et d'autre part s'intéresse aux tissus découverts dans les tombes des Empereurs saliens en 1900 et à leur analyse.

Nous avons pu y admirer des pièces uniques, laiques et religieuses, de grande valeur, des trésors d'enluminure, du travail de l'ivoire, et de magnifiques pièces d'orfèvrerie.

Ces pièces, réunies pour la première fois, proviennent de plus de 50 musées et collections européennes.

Une mise en scène exigeante et des reconstitutions virtuelles précises nous guident tout au long de cet exposition unique.

Un conflit permanent entre le spirituel et le temporel, entre les Papes et les Empereurs marque alors profondément cette époque.

Souvenez vous (si, si!), en 1076, le Pape Grégoire VII excommunie l'Empereur Henri IV, qui finit par faire amende honorable à Canossa...

Mais plus tard, le dernier Empereur de la dynastie des Saliens, Henri V fera arrêter le Pape Pascal II, qui finira par céder à l'Empereur.

"Relater ce qui s'est passé nous mènerait trop loin!"écrivait le chroniqueur Ekkehard von Aura, en pensant à ces évènements de 1111.

Le St Empire Romain Germanique s'étendait à l'époque du Danemark à l'Italie du Sud et de la Lotharingie à la Bohème.

Conrad II, premier Roi salien, fit construire la Cathédrale à Speyer : c'était la plus grande église romane du Saint Empire.

Bernard de Clairvaux y a prêché la II° Croisade.

Dans sa crypte reposent huit Empereurs et Rois allemands.

Cette Cathédrale a subi de nombreuses destructions et reconstructions suite aux guerres et aux révolutions.

Le Trésor de la Cathédrale exposé dans le Musée Historique témoigne de la puissance de l'Eglise.

En résumé, nous avons pu avoir un aperçu saisissant du destin dramatique des souverains saliens et de leur pratique politique qui a changé l'ordre du monde.

Leur histoire est liée étroitement à celle de Speyer qui était alors le centre de leur Empire.

Photos, de haut en bas : Couronne provenant de la tombe de Conrad II; Evangéliaires ; bague provenant de la tombe de Henri V; Globe impérial (Reichsapfel) provenant de la tombe de Henri III.

Au Centre Pompidou, à Paris : "Paris - Delhi - Bombay..."

2011-10-17T15:11:00.012+02:00

Vu à Paris, en septembre, au Centre Pompidou, l'exposition intitulée " Paris - Delhi - Bombay..."

Exposition intéressante, surprenante à divers titres, qui m'a permis de découvrir des aspects (de moi peu connus) de la création artistique contemporaine indienne.

Etant allé plusieurs fois en Inde, et ayant apprécié la magnifique exposition du Musée du Quai Branly en 2010 (L'Art tribal en Inde), je me suis précipité à Pompidou.

J'en suis ressorti surpris, intrigué, amusé, intéressé, plus que réellement touché.

"Où en est l'Inde aujourd'hui? ", telle était la (vaste!) question posée par cette exposition, au travers des propositions de près de 50 artistes indiens et français.

L'Inde contemporaine était abordée via plusieurs thématiques : la politique, l'urbanisme, l'environnement, la religion, le foyer, l'identité, l'artisanat...

Les oeuvres exposées nous ont montré les regards croisés d'artistes français et indiens sur la société indienne contemporaine.

Cette exposition était la bienvenue, car l'Inde est encore méconnue des français, au delà des voyages touristiques qui offrent souvent uniquement des visites de sites, certes magnifiques, mais qui ne permettent guère d'aller à la rencontre de la population, et encore moins des créateurs actuels.

A titre d'exemple, l'oeuvre que je retiendrais est une oeuvre que l'on pourra qualifier de "politique", celle de Sunil Gawde (Voir ici).

En effet, les préoccupations politiques sont au coeur de la création de nombre d'artistes indiens contemporains : passé colonial, traumatisme de la partition de 1947,...

Le travail de Sunil Gawde (né en 1960 à Mumbai - Bombay), un artiste qui a exposé en France, à Abu Dhabi, à Shangai, à la Biennale de Venise 2009, à la Biennale de Ladonia (Scandinavie) 2009,...est tout à fait étonnant.

"J'aime questionner le rapport entre la perception et la réalité" dit-il.

Le rapport entre la perception et la réalité nous questionne, en effet, lorsque nous nous approchons de son oeuvre exposée à Pompidou.

A première vue, il s'agit d'une magnifique guirlande de fleurs rouges, en réalité constituée de lames de rasoir : l'oeuvre se refère aux assassinats successifs de personnalités politiques indiennes, en particulier ceux du Mahatma Gandhi, d'Indira Gandhi et de Rajiv Gandhi.

Souhaitons que cette exposition étonnante ait réussit, comme cela était son ambition, au delà de la surprise et de la découverte, à favoriser un dialogue autre entre la France et l'Inde et à renforcer les liens entre nos deux cultures!

Voir ce petit film sur Sunil Gawde à la Biennale de Ladonia 2009 :
http://www.youtube.com/watch?v=MvpCicAnXg0

Anne Boleyn de Donizetti au Met : tragique et bouleversant

2011-10-16T18:16:00.009+02:00

Hier soir, au Kinepolis de Mulhouse, j'ai été transporté par la retransmission d' Anne Boleyn (Anna Bolena) de Donizetti depuis le Met, à New-York.

Transporté et ému par la très forte interprétation d' Anna Netrebko (soprano russe, photo à gauche), dans le rôle particulièrement difficile de la malheureuse Anne Boleyn, deuxième épouse du Roi d'Angleterre Henry VIII.

Le Roi aime une dame de compagnie de la Reine, Jeanne Seymour (remarquablement interprétée par Ekaterina Gubanova, Mezzo-soprano russe, photo à droite).

Pour se "débarrasser" de la Reine, Anne Boleyn, le Roi met sur pied une machination aux fins de pouvoir l'accuser d'adultère et la faire mettre à mort.
Cet opéra, trentième des 67 opéras (!) écrits par Donizetti (1797-1848), lui valut son premier triomphe en Italie comme à l'étranger.

Héritier de Rossini, rival de Bellini, et précurseur de Verdi, Donizetti est, avec eux, l'un des principaux compositeurs italiens du XIX° siècle.

Anne Boleyn (1830) est, avec Lucia di Lamermoor (1835) l'opéra le plus célèbre du Maître de Bergame.

J'avoue que je ne connaissais pas cet opéra, contrairement à Lucia, que j'ai pu visionner plusieurs fois.

J'ai été séduit et enthousiasmé par l'interprétation orchestrale, la mise en scène (Des McAnuff), les choeurs...

J'ai moins apprécié l'américain Stephen Costello (ténor, photo à gauche) dont l'interprétation de Lord Richard Percy, quoique musicalement excellente, manquait à mon goût de présence scénique.

J'ai trouvé par contre excellente la prestation de la basse russe Ildar Abdrazakov, dans le rôle d' Henry VIII (photo à droite).

Dans Anne Boleyn, comme dans Lucia, on suit l'évolution psychologique des personnages, évolution d'une complexité rare.

Le duo entre Anne Boleyn, Reine, mais pour peu de temps encore, et sa dame de compagnie, Jeanne Seymour, future Reine est absolument bouleversant!

Anne, injustement condamnée à mort passe par toutes les affres de la souffrance, jusqu'à plonger dans la folie (tout comme Lucia) : des moments dramatiques interpétés par Anna Netrebko de façon passionnée et déchirante, en particulier l'air "copia iniqua".

Mais c'est avec toute sa dignité retrouvée qu'Anne affonte le supplice.

L'oeuvre fut créée pour la grande cantatrice Giuditta Pasta (1797-1865), puis disparut du répertoire à la fin du XIX° siècle pour être reprise par Luchino Visconti à la Scala de Milan en 1957 avec une prodigieuse Maria Callas dans le rôle titre.

Une soirée magique et une Anna Netrebko tragique et bouleversante!

Voir :

http://www.youtube.com/watch?v=69atpi_K5zA&feature=related

A Paris : le Père Lachaise et l'épreuve du temps

2011-10-07T07:40:00.018+02:00

Le cimetière du Père Lachaise, à Paris, est plus visité que nombre de jardins publics de la capitale. C'est le plus grand cimetière intra-muros de Paris et l'un des plus célèbres dans le monde.

Il est classé au titre des monuments historiques.

Sur 44ha, on y dénombre 70 000 sépultures ( la plupart des concessions perpétuelles, mais aussi des fosses communes), 5300 arbres, deux millions de visiteurs par an, et ...une centaine de chats.Les visiteurs y viennent pour la plupart à la recherche des sépultures d'hommes et de femmes célèbres, à divers titres, qui ont marqué la vie et l'histoire françaises et universelles.
Le visiteur s'y promène avec curiosité et émotion à la rencontre, au détour des allées, d' écrivains ( Apollinaire, Balzac, Proust, Colette, Eluard, La Fontaine, Molière,...), d' artistes ( Sarah Bernhardt, Delacroix, Modigliani, Gustave Caillebotte, Gericault, Maria Callas, Max Ernst, Bellini, Edith Piaf, Jim Morisson, Desproges, Yves Montand, Simone Signoret, ...), de

musiciens ( Bizet, Cherubini, Chopin, Rossini, Michel Petrucciani, ...), de scientifiques ( Arago, Champollion, Claude Bernard,...), d' hommes politiques ( Beaumarchais, Maurice Thorès, Jules Vallès, Louis Blanc, Auguste Blanqui, Thiers, Félix Faure, Jules Guesde, ...) .

Certaines tombes sont l'objet, pour des raisons diverses, de cultes particuliers (Allan Kardec, Victor Noir, Jim Morrison,...), sans parler du célèbre monument, en cours de restauration, à la mémoire d' Héloïse et Abélard!

Lors de la Commune de Paris, en mai 1871, le Père Lachaise fut le théatre d'une véritable guerre civile, en raison de sa situation stratégique sur une colline.

Les Fédérés installèrent leur artillerie en plein coeur du cimetière.

Mais ils furent rapidement encerclés par les Versaillais de Thiers d'un côté, et les Prussiens de l'autre.

Les 147 survivants furent fusillés le 28 Mai 1871 devant le mur qui prit ensuite le nom de Mur des Fédérés, au sud du cimetière.

"Se rendre au Père Lachaise, c'est faire un voyage dans un monde étrange et fascinant, où l'art et la nature s'unissent pour créer une harmonie qui apaise, invite au recueillement, à la méditation, à la rêverie...

L'ampleur du cadre du Père Lachaise, la poésie qui en émane, l'univers d'arbres et de pierres mélés, les tombes multiformes enchâssées dans la verdure, l'infinie diversité des tombeaux font que le décor est unique..." (www.pere-lachaise.com)

Mais il y a des recoins cachés de ce lieu étonnant, où j'aime me promener, en toute saison, et où les visiteurs pressés ne s'aventurent guère.

Ce sont des recoins, où l'épreuve du temps se fait plus particulièrement sentir, souvent dans l'anonymat le plus complet.

Ce début d'automne se prêtait pour moi à ce rendez vous nostalgique, étrange, et en même temps apaisant.

Dans les Vosges : dernière randonnée de l'été indien

2011-10-05T14:25:00.008+02:00

L'été indien vient de prendre fin aujourd'hui : baisse des températures, nuages et brumes annoncent, en Alsace et sur les sommets des Vosges, la véritable arrivée de l'automne.

Les feuilles mortes étaient déjà là, mais nous n'y croyions pas encore.

L'occasion était belle, hier, pour nous aventurer sur les Hautes Chaumes, entre le Col de la Schlucht et le Col du Calvaire : belle luminosité, mélanges subtils de couleurs, les verts francs virant vers les rouges et les ocres et se mêlant au noir profond des sapins ; une lumière oblique en fin d'après midi faisait ressortir les reliefs des sentiers et des rochers au dessus des lacs : magnifique!

Arrivés au Col de la Schlucht, nous avons pris la "Route des Crêtes" en direction du Col du Calvaire.

A noter que cette "Route des Crêtes" fut créée par les troupes françaises au cours de la I° Guerre Mondiale, pour assurer le ravitaillement en vivres et en munitions.

Située à une altitude supérieure à 1200m, c'est incontestablement la plus belle route des Vosges.

Nous nous sommes donc garés au Collet du Lac Vert, au lieu dit Dreieck (1223m), à 5,3km de la Schlucht.

Nos pas nous ont ensuite amenés au Lac Vert (1044m), appelé aussi Soultzerer, situé dans un cadre majestueux bordé de gros blocs de rochers.

La teinte verdâtre très prononcée est due à la multiplication rapide en été des plantes aquatiques.

Nous n'avons pu nous empêcher d'en faire le tour, par un joli sentier ombragé.

Le sentier remonte ensuite vers la Ferme-Auberge du Gaertlestrain et le Chalet Erichson du Club Vosgien de Munster, pour nous amener par un sous bois rafraîchissant au Lac du Forlet (Forlenweiher, 1065m), appelé aussi Lac des Truites, certainement à tort, car son nom ne dériverait pas de Forelle (Truite)!

Ses 162 000 m3 de capacité servent à soutenir le débit de la Fecht.

Nous avons pris le temps d'admirer le cirque de caractère alpin dans lequel s'abrite le lac .

Grimpant ensuite le sentier abrupt qui nous mène vers le Soultzerer Eck, au dessus de la Ferme Auberge du Lenzwasen, la vue qui s'offre à nous est de toute beauté.

Nous atteignons enfin les Hautes Chaumes, puis nous nous dirigeons vers le Taubenklangfelsen (1299m) puis vers le sommet du Gazon du Faing (1302m), l'un des plus hauts sommets des Hautes Chaumes, d'où la vue sur le Lac du Forlet, enchâssé dans son cirque rocheux abrupt, 350m plus bas, est absolument splendide.

Le regard s'étend également sur le Val d'Orbey et la haute vallée de Munster.

Par le Gazon du Faîte (Ringbühlkopf, 1302m), nous rejoignons peu après le Collet du Lac Vert, après un peu plus de 3h d'une randonnée facile (mis à part la montée raide au dessus du Forlet) et vraiment superbe.

C'était là notre dernière randonnée vosgienne de l'été indien!

Le photographe Lewis Hine, témoin des enfants au travail

2011-10-03T10:07:00.000+02:00

L'américain Lewis Wickes Hine (1874-1940) fut un combattant acharné pour la justice sociale.
Sa seule arme : une lourde chambre photographique en bois.

Il était convaincu, à juste titre, que la production industrielle asservissait les hommes, les habitants des taudis new-yorkais, les immigrants d'Ellis Island et surtout les enfants.

Il ne cherchait pas, comme Stieglitz (son contemporain), à montrer de beaux tirages dans les galeries.

Au contraire, Lewis Hine photographiait pour convaincre. Il n'hésitait pas à "mettre en scène" ses sujets.

Ses clichés d' enfants au travail ont sensibilisé l'opinion publique, durant l'"Ere Progressiste" (Progressive Era), cette période de l'histoire des Etats-Unis qui va des années 1890 aux années 1920.
Ce mouvement de Réforme, dont le champion fut Theodore Roosevelt fut aidé par le journalisme d'enquête et par la "photographie sociale", en particulier celle de Lewis Wickes Hine.
Ses photographies, provenant de la collection de la George Eastman House, International Museum of Photography and Film, de Rochester et, pour la plupart, des épreuves anciennes de petit format, sont exposées en ce moment à Paris, à La Fondation Henri Cartier Bresson (Jusqu'au 18 décembre 2011) : un évènement à ne pas rater.

En 1907, Lewis Hine quitta son poste d'enseignant pour devenir le photographe attitré du "Labor National Child Committee", dont l'objectif était de "promouvoir les droits, la dignité, le bien-être et l'éducation des enfants et des jeunes dans leurs rapports au travail ou à toute activité laborieuse".

Outre sa volonté d'exposer et de dénoncer l'exploitation des enfants, Hine garde dans ses clichés une vision "progressiste" du travail et des travailleurs, mettant en avant la puissance, le triomphe de la machine et de l'industrie.

On connait ses photographies des immigrants d'Ellis Island ou celles des ouvriers travaillant, en équilibre au dessus du vide, à la construction des gratte-ciels de New York, mais ce sont vraiment ses photos d'enfants exploités au travail qui m'ont touché : des visages bruts et des regards profonds.

Voir Mon site Photos

Pina Bausch : dansez, dansez, sinon nous sommes perdus!

2011-10-02T14:39:00.009+02:00

Deux ans après sa disparition, en juin 2009, Pina Bausch est toujours présente au coeur du public français.

Le réalisateur Wim Wenders a choisi la 3D pour rendre hommage à la grande danseuse et chorégraphe, dans un film sorti le 6 Avril 2011, et que je viens de visionner ce dimanche matin à Paris dans une salle comble.

Pina Bausch est morte le jour où le réalisateur a voulu faire les premiers tests en 3D.

Wim Wenders a alors songé à annuler le film :

"Le regard de Pina, c'était le film que je voulais faire.

Le regard s'est éteint! "

"Avec Pina, on était vraiment de bons amis, on n'avait pas peur l'un de l'autre.

Avec Pina, contrairement à ce que disent tous les autres gens, j'ai surtout rigolé. "

"Le soir où j'ai vu Müller Café pour la première fois, c'était un choc invraisemblable.

Je dois avouer que je n'avais même pas envie d'y aller...

J'y suis quand même allé.

Je me suis trouvé sur le bord du siège au bout de cinq minutes.

Je me suis trouvé en sanglots.

Et après 40 minutes, j'étais convaincu que j'avais vu la chose la plus importante de ma vie. "

Wim Wenders déclare à propos de "Pina" : "J'ai fait ce film pour tous ceux qui n'ont jamais eu le privilège de voir une pièce de Pina. "

Pari tenu, et un très bel hommage : la rencontre de deux monstres sacrés de la culture allemande, elle née pendant la guerre et lui juste après ; il fallait repartir à zéro et chacun d'eux l'a fait à sa façon!

Je me suis laissé emporter avec bonheur par les extraits des fameux spectacles de Pina : Müller Café, Kontakthof, Le Sacre du Printemps, Vollmond,...ainsi que par les scènes filmées dans les rues de Wuppertal.

Les danseurs y parlent de Pina en petites touches délicates, pleines d'admiration, de reconnaissance et d'affection, fruits d'une expérience de danse et de vie unique, exceptionnelle.

Un film magnifique et bouleversant, où la magie de Pina Bausch, malgré son absence, ou à cause d'elle, m'a touché au plus profond!

Pina avait bien raison de dire : "Dansez, dansez, sinon nous sommes perdus! "

Voir :

http://www.youtube.com/watch?v=x5ARB6yhBg8&feature=related

Voir aussi ici ma note du 5/11/2010 sur le film : "Tanzträume : für Pina Bausch"

Promenade au CERN, en Suisse, au coeur de la physique nucléaire

2011-10-01T10:07:00.013+02:00

Mardi dernier, visite des installations du plus grand laboratoire de physique des particules du monde, à Genève : une promenade passionnante et instructive au coeur de la physique nucléaire!

Le CERN (Organisation Européenne pour la Recherche Nucléaire) abrite le LHC (Large Hadron Collider), soit, en français : le Grand Collisionneur de Hadrons.

Le CERN est l'un des plus grands et des plus prestigieux laboratoires scientifiques du monde, dont les recherches sont axées sur la découverte des constituants et des lois de l'Univers.

Fondé en 1954, il a été l'une des premières organisations créées à l'échelle européenne et compte 20 états membres.

Un "Grand Collisionneur de Hadrons", soit! Mais les hadrons, c'est quoi-qu'est-ce?

Le hadron est un composé de particules sub-atomiques régis par l' interaction forte.

Les hadrons les plus connus sont les protons et les neutrons, qui sont des composants du noyau atomique.

Tous les hadrons, sauf les protons sont instables.

Si vous voulez en savoir plus, voir ici.

C'est tout bon? Pas de questions?

Que se passe-t-il donc, au CERN, dans ce tunnel circulaire de 27 km de circonférence, le LHC, enfoui entre 50 et 150m sous terre, entre les montagnes du Jura en France et le Lac Léman en Suisse?

Réponse : des collisions frontales entre deux faisceaux de particules identiques, soit des protons, soit des ions de plomb.

Les faisceaux sont créés dans une chaîne d'accélérateurs plus petits avant d'être injectés dans le grand anneau du LHC.
Ils y circulent dans un vide comparable à celui de l'espace intersidéral, guidés et accélérés par 1800 gigantesques aimants supraconducteurs fonctionnant à ...-271°C.

Chaque faisceau est formé de 3000 paquets de particules, chacun de ces paquets contenant 100 milliards de particules.

Les particules sont si petites que la probabilité pour que deux d'entre elles se percutent est très faible: quand les paquets se croisent il y aura à peu près 20 collisions pour les 200 milliards de particules....Mais les paquets se croiseront 30 millions de fois par seconde, avec les énergies les plus élevées jamais atteintes en laboratoire, ce qui fera quand même 600 millions de collisions par seconde!

Un faisceau circule pendant 10h, parcourant ainsi 10 milliards de km soit ...un aller et retour sur Neptune.

Il y a, sur l'anneau du LHC, 4 expériences : ALICE, ATLAS, CMS et LHCb, qui vont permettre de défricher de nouveaux domaines de la matière, de l'énergie, de l'espace et du temps, suite à l'analyse des résultats de ces collisions.

En particulier, les chercheurs se lancent avec acharnement sur la piste du fameux "boson de Higgs" : c'est une des priorités du LHC.
Si ce boson existe, il devrait être possible de l'observer d'ici 5 ans.

Ce boson, particule élémentaire dont l'existence a été proposée en 1964 par plusieurs chercheurs (Guralnik, Hagen, Kibble, Brout, Englert) et, indépendamment par Peter Higgs, serait à l'origine de la masse des particules, rien que ça!

Sa découverte sera une confirmation du "Modèle Standard" qui le prédit, et dont la cohérence dépend de son existence.

D'où l'enjeu, je ne vous le fais pas dire!

Ce boson serait, au niveau quantique, l'équivalent du "Champ de Higgs"
Bon! Voilà pour le moment. Pour plus d'infos, voir ici.

Ce qu'il faut retenir, c'est que le LHC est une machine qui concentre énormément d'énergie dans un tout petit espace et qui permettra ainsi de faire progresser notre compréhension de l'univers...pour un investissement actuel de 6 milliards de Francs suisses!

Ces expériences génèrent bien entendu une quantité astronomique de données : il faudrait une pile de CD haute de 20km pour stocker les données recueillies chaque année par les expériences!

Nous avons également visité les installations informatiques : étonnant!

Mais en elles même, elles seraient insuffisantes pour traiter ces données si n'existait pas le GRID (Grille de calcul), mettant en commun par le biais de réseaux couvrant la planète, les ordinateurs de nombreux centres de recherche en physique des particules du monde entier.

Le LHC : un effort international sur lequel le soleil ne se couche jamais!

La visite vallait vraiment le déplacement à Genève...sans parler d'un farniente estival au bord du Lac Léman, avec une bonne bière, pour nous remettre de nos émotions et de nos interrogations existentielles!

Nous étions captivés, enchantés : beaucoup de réponses à nos questions, mais le mystère des interactions subatomiques est demeuré entier pour nous, tout comme il l'est encore, mais à une autre échelle, pour les 10 000 scientifiques des 500 Instituts qui travaillent au CERN et participent aux différents projets de recherche.

Allez-y, je vous le conseille vivement, si ce domaine de la recherche fondamentale vous intéresse, mais il faut s'y prendre ...un an à l'avance!

Auguste Bartholdi ou l'obsession de la Liberté

2011-09-25T11:08:00.011+02:00

Qui ne connait Auguste Bartholdi (1834, Colmar - 1904, Paris), l'illustre créateur de la "Liberté éclairant le Monde" de New-York (1870-1886) et du "Lion de Belfort" monumental, à Belfort, dont une copie réduite trône au milieu de la Place Denfert-Rochereau à Paris (1872-1880) ?

La "Liberté éclairant le Monde"représente une femme drapée dans une toge, et brandissant une torche de la main droite.
Sur les tablettes qu'elle tient de la main gauche, on peut lire : "4 Juillet 1776", date de l'indépendance des Etats-Unis.
A ses pieds se trouvent les chaînes brisées de l'esclavage.
La statue mesure 46m de haut au flambeau. La structure totale, socle compris, mesure 93m.
Elle célèbre l'amitié franco-américaine.
Note du 4/11/2011 : une webcam située tout en haut de la statue de la Liberté permet de voir désormais le port et la ville de New York en panoramique et temps réel! Bartholdi n'avait même pas révé à celà!
Voir ici.

Le "Lion de Belfort", sculpté au pied d'une falaise, commémore la résistance héroïque de la ville lors de son siège par les Prussiens. Il est long de 22m et haut de 11m.

Durant la guerre de 1870, Bartholdi fut officier de la Garde Nationale, aide de camp du Général Garibaldi.

Lorsque la France perdit l'Alsace (moins Belfort), et une partie de la Lorraine, Bartholdi se promit de glorifier la Liberté, en attendant de retrouver un jour sa terre natale.

La "Liberté éclairant le Monde", qui demeure sans conteste l'oeuvre la plus célèbre de Bartholdi, compte également au nombre des réalisations technologiques majeures du XIX° siècle.
Gustave Eiffel participa directement à la mise en place des aspects structurels de l'ouvrage. Il conçut ainsi une ossature métallique à laquelle l'enveloppe de cuivre fut suspendue.

Toute autre solution aurait créé des tensions considérables et le colosse aurait été soumis à des risques d'effondrement et d'écrasement.

Il ne faut pas oublier que cette statue fut offerte par la France au Etats Unis, ceux-ci ne subvenant qu'aux dépenses du piédestal.

En 2004, pour la commémoration du centenaire de la mort de Bartholdi, la Ville de Colmar, en Alsace, a choisi, pour honorer l'un de ses plus prestigieux enfants, d'ériger à l'entrée nord de la ville, une réplique de la "statue de la Liberté".

Cette réplique, d'une hauteur de 12m est réalisée en matériau composite teinté dans la masse, pour lui donner l'aspect du cuivre patiné.

Il existe une vingtaine d'autres répliques de la statue de la Liberté : à Paris (vers le Pont de Grenelle, non loin de l'emplacement de l'atelier de Bartholdi), à Rio de Janeiro, et jusque sur les bords de la baie de Tokyo.

Mais le génie créateur de Bartholdi ne s'est pas arrété là, loin s'en faut ! Bartholdi était également dessinateur et peintre de talent, mais on retient essentiellement les oeuvres du sculpteur de génie.

En effet, une cinquantaine de ses oeuvres (Monuments publics et Monuments funéraires privés) sont disséminées dans le monde entier.

Qu'on en juge : 41 en France (dont 11 à Paris et 14 à Colmar) et 10 à l'étranger (dont 6 aux Etats Unis, 3 en Suisse et 1 en Pologne).

A New-York, outre la "Liberté éclairant le Monde" , Bartholdi a sculpté : "Lafayette arrivant en Amérique" ( Union Square, 1876) et "Washington et Lafayette" (Angle de la 144° rue et de Morningside, 1900).
En Suisse, il faut noter (à Bale) : le "Monument à la Suisse secourant les douleurs de Strasbourg pendant le siège de 1870" (1895).

Des 14 monuments de Colmar, on retiendra 9 monuments publics, les autres étant des monuments funéraires privés, au cimetière du Ladhof.

Il suffit de lever les yeux, en arpendant cette si jolie ville, pour voir resplendir un peu partout le talent d'Auguste Bartholdi!

Je ne citerai ici que le Monument Roesselmann, place des Six Montagnes Noires.
Au centre de cette place se trouve une fontaine, inaugurée en 1888, surmontée d'une statue en bronze du Prévôt Jean Roesselmann, mort en 1262 en défendant l'indépendance de la Ville de Colmar, menacée par les partisans de l'évêque de Strasbourg.

Bartholdi donna à son visage les traits du Maire Hercule de Peyerimhoff, qui fut contraint d'abandonner son mandat sous la pression des autorités allemandes, quelques années après l'annexion de 1871. -

Ne manquez pas de visiter le Musée Bartholdi, dans la maison natale de celui-ci (30 rue des Marchands, à Colmar) et vous aurez une idée de l'étendue de son génie créateur.

Laura Gilpin, géniale photographe du Sud-Ouest américain...

2011-09-19T10:56:00.017+02:00

...et des paysages stupéfiants qu'on y admire, que j'ai admirés encore une fois cette année.

A vrai dire, je ne m'en lasse pas et je compte bien y retourner en 2012!

Laura Gilpin (1891, Colorado-1979, Nouveau-Mexique) est également connue pour ses portraits des "native americans", Navajo et Pueblo, que j'ai également rencontrés lors de ma "promenade" en Arizona, au Nouveau Mexique et au Texas.

C'est pourquoi la découverte de son oeuvre m'a si fortement impressionné, lors de ma visite fin mai à l' "Amon Carter Museum" à Fort Worth (à coté de Dallas, Texas).

Décidément, ce Musée fut pour moi une source de découvertes photographiques étonnantes : voir ici et ici.

Une oeuvre telle que la sienne, tout comme celle de Ansel Adams (voir ici), se constitue, pierre après pierre, par une motivation, un enthousiasme, un effort et une persévérance maintenus au fil des années.

Ansel Adams photographiait l'Ouest américain en en révélant avec bonheur la beauté intacte et inviolée.

Pour Laura Gilpin, les paysages du Sud-Ouest ne représentaient pas spécialement des sites exceptionnels résistant à l'intrusion humaine.

Il s'agissait simplement de paysages habités, témoins d'une histoire et d'une tradition particulièrement riches : des paysages qui modèlent et transforment la vie de leurs habitants.

"Je considère ce domaine [celui de la photographie des paysages américains] comme l'un des plus grands challenges que je connaisse.

Et c'est la raison principale qui m'a poussé à habiter dans l'Ouest.

Je dois pour cela conduire un très grand nombre de miles, exposer une grande quantité de films, attendre un nombre d'heures pas possibles, camper pour être à un endroit donné au lever du soleil, revenir souvent au même endroit, afin d'obtenir ce que je cherche."

Laura Gilpin parle en connaissance de cause de ce challenge : sa première photo publiée en 1916 (à une époque où les femmes photographes étaient plutôt rares) dans un magazine de photos était une vue du Grand Canyon.

Et depuis lors, elle a parcouru dans le Sud Ouest américain des dizaines de milliers de miles à pied, en voiture et en avion.

En 1903, pour l'anniversaire de ses 12 ans, elle reçut en cadeau un brownie...qui déclencha sans doute le démarrage de sa carrière.

Elle tira son premier autochrome (voir ici) en 1908, à 17 ans.

Quelques semaines avant sa mort, en 1979, alors âgée de 88 ans, elle prenait sa dernière photographie, penchée par la fenêtre d'un petit avion volant bas au dessus de la vallée du Rio Grande...

Laura Gilpin est également connue pour la qualité exceptionnelle de ses tirages au platine :

"J'ai toujours aimé les tirages au platine [voir ici et ici, en anglais] ; c'est le genre de tirage qui donne les plus belles images ; c'est le procédé qui permet les meilleurs contrastes ; ce n'est pas difficile, mais il prend du temps."

Voir Mon site Photos.

Santu Mofokeng, un photographe sud africain, chasseur d'ombres

2011-09-15T09:37:00.007+02:00

Une première rétrospective est consacrée en ce moment à l'oeuvre de Santu Mofokeng, photographe sud-africain inspiré, intitulée : "30 ans d'essais photographiques".

C'est au "Jeu de Paume" à Paris, jusqu'au 25 Septembre : précipitez vous à la rencontre de cet artiste et témoin majeur de notre temps! Vous ne le regretterez pas.

Santu Mofokeng, par la qualité et le contenu de son oeuvre photographique, par la puissance et l'acuité de son regard, nous donne à voir successivement, avec une grande émotion, le Soweto de sa jeunesse, la vie quotidienne dans les fermes et dans les townships, des rituels religieux, des paysages étonnants,...

Santu Mofokeng est devenu une figure marquante de la photographie sud-africaine.

A l'époque où le régime de l'apartheid se radicalise et se durcit, Mofokeng adopte la forme de l'essai photographique, qui lui donne plus de liberté d'expression que le pur reportage documentaire.

En particulier, dans cet "essai", qui m'a frappé et touché : une série intitulée "Train Church" (1986), à travers le phénomène des "trains-églises" (en particulier dans le train Johannesburg-Soweto) où il explore les rituels religieux, le déplacement des lieux de cultes, etc,...

Plus tard (1996), dans la série "Radiant Landscape", Santu Mofokeng continue à explorer les "maux invisibles" que sont le Sida et l'apartheid, en photographiant les rapports des gens avec les mondes invisibles et les esprits.

D'autres maux invisibles : la pollution et les paysages empoisonnés par les déchets toxiques de tous ordres.

Il nous montre comment les corps humains, les paysages, et les corps dans ces paysages, subissent une intoxication sournoise, et une métamorphose insidieuse...

Un questionnement très personnel, absolument étonnant, sur la relation entre mémoire, paysages (naturels et urbains) et spiritualité, traverse toute l'oeuvre photographique de Santu Mofokeng, "chasseur d'ombres", comme il se définit lui-même!

Une oeuvre encore en devenir, qui n'a pas fini de nous interpeler et de nous toucher

Voir Mon site Photos

A Paris, sous la pluie, avec Woody Allen et...Hemingway

2011-09-14T09:32:00.009+02:00

Façon de parler, car il fait en ce moment à Paris un temps magnifique, un bel été indien en perspective, et pas de pluie!

Paris sous la pluie offre au photographe que je suis (en argentique et N&B) des opportunités uniques.
De toute façon j'adore Paris, avec ou sans pluie!

Le film de Woody Allen : Midnight in Paris, m'a rempli d'aise et de réel bonheur.

Comme la plupart des films de Woody Allen, dont je suis fan.

Mais celui-ci tout particulièrement : au delà du scénario qui pourrait sembler artificiel.

Gil, le héros (Owen Wilson) parcours Paris le soir, à la recherche d'inspiration pour son prochain roman.
Aux douze coups de minuit, il est emporté dans le Paris des années 20, et au fil des nuits, il va rencontrer F. Scott Fitzgerald, Cole Porter, Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Pablo Picasso, T. S. Eliot, Salvador Dali, Luis Bunuel, Man Ray, Matisse...

Et il va tomber amoureux de la belle Adriana (Marion Cotillard), égérie de Picasso, après l'avoir été de Modigliani...

Gil finira par reprendre pied à notre époque et rencontrera une jeune femme, vendeuse au Marché aux Puces, chez qui il avait trouvé d'anciens enregistrements de Cole Porter.

Cette jeune femme, comme lui, adore Paris sous la pluie...

Je me suis laissé emporter avec émotion par ce magnifique conte, bien enlevé par cet amoureux de Paris qu'est Woody Allen.

D'autant plus que son film m'a immédiatement rebranché sur le beau livre d' Ernest Hemingway : "Paris est une fête"(A moveable feast) où l'auteur décrit ses premières années d'écrivain désargenté à Paris, dans les années 20, justement.

Hemingway élargit très vite son propos, dans cet ouvrage aux allures de conte bleu, tout comme Woody Allen dans son film.

On y rencontre aussi Gertrude Stein, qui règne sur les destinées des écrivains américains de Paris, Scott Fitzgerald, fou et charmant, etc,...

Ce livre d' Hemingway déborde d'amour pour Paris, où il revient à plusieurs reprises...

Woody Allen tout comme Hemingway, nous font partager avec tendresse et nostalgie leur amour passionné pour la Ville Lumière, une ville dont l'essence et le charme nous sont vraiment révélés, justement...les jours de pluie!

Guerre de 14 en Alsace : 687 prisonniers de guerre roumains morts de faim

2011-09-05T16:57:00.005+02:00

687 prisonniers de guerre roumains, morts de faim, de privations et de tortures, en 1917 en Alsace, reposent dans un petit cimetière à la Gauchmatt, non loin de Soultzmatt, dans le Haut-Rhin, en Alsace.

Mes pérégrinations m'ont amené en ce lieu isolé, où j'ai été surpris de voir flotter le drapeau roumain à côté du drapeau français.

Au total, 2344 prisonniers de guerre roumains sont morts en Alsace et en Lorraine en 1917 et 1918.

De nombreux Alsaciens et Lorrains ont fait ce qu'ils ont pu pour aider ces malheureux jeunes roumains à survivre, ce qui ne les a pas empêché de connaître la faim, les privations et les tortures.

La Roumanie était à l'époque alliée de la France.

Le "Comité d'Alsace des tombes roumaines" fut chargé par le gouvernement roumain de réunir dans ce cimetière de la Gauchmatt les restes de prisonniers disséminés en 1919 dans 35 villes et communes d'Alsace.

Ce qui fut fait en 1920.

Tous ces prisonniers sont morts après d'indicibles souffrances.

Lors de nos randonnées en Alsace et sur les sentiers des montagnes vosgiennes, nous rencontrons très souvent des cimetières militaires français et allemands, témoins de la boucherie épouvantable de la "Grande Guerre".

Mais c'est la première fois que je pouvais visiter, il y a quelques jours, un cimetière abritant les restes de prisonniers de guerre roumains.

Au début de la première guerre mondiale, les troupes allemandes ont déboisé une partie de la forêt à l'Ouest de Soultzmatt, pour construire des installations militaires.

Ce camp, abritant 500 soldats allemands, était dénommé le "Kronprinzlager"et on peut se promener, non loin du cimetière roumain, sur un sentier qui porte ce nom.

Le front était en effet stabilisé à une dizaine de km à l'Ouest de Soultzmatt depuis les combats de juin 1915 à l'Hilsenfirst et ceux de juillet 1915 sur le Linge.

Au début de 1917, par un froid rigoureux, les habitants de Soultzmatt virent arriver des soldats roumains exténués et amaigris.

Escortés par des soldats du Landsturm, baïonette au canon, ils viennent à pied de Rouffach...

"Les gosses, parfois, jettent un croûton, une pomme de terre dans les ouvertures béantes des poches de capotes. L'ordre vient, inexorable, et les gosses sont chassés...

Alors ces croûtons, ces pommes de terre, les gosses les cachent dans les trous des murs. Les plus épuisés des roumains, ceux qui traînent derrière la colonne, comme pour se soutenir, tâtent les pierres disjointes et sondent les fissures.

L'un d'eux, que je verrai jusqu'au fond de l'éternité, ramène d'une cachette une pomme de terre crue, qu'il mort gloutonnement." (Benjamin Valotton, Les prisonniers roumains en Alsace, 1930)

Nous sommes frappés, en parcourant lentement ce cimetière, de lire sur les croix l'obsédante répétition des dates toujours les mêmes : janvier, février, mars, avril 1917 ; une seule et même rangée porte uniformément la date du 10 avril 1917...

La population alsacienne n'a pas été insensible au martyre des prisonniers de guerre roumains malgré des risques certains de représailles dans un village où étaient cantonnés des centaines de soldats allemands.

(Informations : Jean Nouzille, Le Calvaire des prisonniers de guerre roumains en Alsace-Lorraine 1917-1918, Bucarest, Editions Militaires, 1991)

Le 9 Avril 1924, le Roi Ferdinand et la Reine Marie de Roumanie sont les hôtes de l'Alsace et viennent se recueillir dans ce cimetière.

Une plaque, au pied de la grande croix du cimetière porte depuis lors l'inscription suivante :

"Soldats roumains, loin de votre patrie pour laquelle vous vous êtes sacrifiés, reposez en paix, auréolés de gloire, dans cette terre qui ne vous est pas étrangère; Marie, Reine de Roumanie."

Du sorgho en Alsace !

2011-09-01T19:28:00.015+02:00

Pour lutter contre la chrysomèle, un insecte ravageur qui s'attaque au maïs en Alsace, les agriculteurs ont désormais l'obligation de mettre en place une rotation des cultures.

Tout à côté de chez moi, je vois désormais des champs de blé se substituer par endroits aux champs de maïs ; les moissons ont déja eu lieu.

Quel ne fut pas mon étonnement de voir également, lors de mes balades en vélo, se multiplier des champs de sorgho (Sorghum bicolor)!

Le sorgho est en effet une plante tropicale d'origine africaine, qui joue un rôle important dans la vie de nombreux peuples d'Afrique et d'Asie.

Alors, que vient faire le sorgho en Alsace?

Il faut déjà savoir que cette plante est peu exigeante en eau, contrairement au maïs, lequel est un véritable désastre au niveau de l'impact sur les nappes phréatiques, entre autres.

Le sorgho trouve donc, dans le contexte actuel de pénurie d'eau, un regain d'intérêt que ce soit en système sec ou faiblement irrigué.

Son introduction dans la rotation des cultures permet de diversifier les assolements.

Jusqu'à présent, le sorgho était présent seulement dans le sud de la France.

Qu'il fasse désormais son apparition en Alsace est une nouveauté très intéressante!

La culture du sorgho offre de nombreux avantages agro-environnementaux, car cette plante rustique, en plus de ses faibles besoins en eau, ne nécessite aucun traitement particulier!

En résumé, elle est peu onéreuse, peu gourmande en eau et offre un rendement régulier...

Les surfaces productrices sont au fil des années en augmentation régulière en France, pour atteindre 70000ha en 2010.

Alors que demander de plus?

Reste un problème de désherbage, car les champs de sorgho que je "surveille" sont envahis progressivement par nombre de graminées sauvages.

Le désherbant dit "atrazine" étant désormais interdit, de nouveaux produit plus protecteurs de l'environnement sont actuellement à l'étude, en particulier dans le cadre de l'"Institut du Végétal", un Institut de recherche appliquée en agriculture.

Quoiqu'il en soit, il semble que la culture du sorgho dans nos régions devienne, dans un contexte faiblement irrigué, tout à fait compétitif par rapport à celle du maïs, culture dominante en plaine alsacienne.
Nos paysages sont en train de changer, et c'est une bonne chose : vive la diversité et les expérimentations de ce type soutenues par la Politique Agricole Commune de l'UE.

Comment consommer le sorgho ?

Une fois secs, les grains de sorgho peuvent être cuits à la vapeur ou dans l'eau, comme le riz. Les grains peuvent être également transformés en farine.

En France, il est surtout cultivé pour l'alimentation animale, et on le trouve donc de plus en plus dans des régions où on cultive habituellement le maïs, comme l' Alsace.

Ma rencontre avec Sue, Tyrannosaurus Rex, à Chicago

2011-08-19T16:42:00.012+02:00

Une rencontre toute platonique, à Chicago!
Tous comptes faits, il vallait mieux que cela se passe comme ça entre nous...

Sue est en effet un Tyrannosaurus Rex, le plus grand carnivore terrestre de tous les temps.
De plus, Sue est le plus grand spécimen découvert à l'heure actuelle, en Amérique du Nord, pays des superlatifs.

Le vrai nom de ce T. Rex est en fait FMNH PR2081.

A tout prendre, je préfère Sue, qui est le prénom de la paléontologue Sue Hendrickson, sa "découvreuse".

Où a eu lieu cette rencontre mémorable?

Au "Chicago Field Museum of Natural History", le 14 Juin 2011.

Cette charmante Sue, bien conservée pour son âge (70 millions d'années) a des mensurations idéales : 11,2 m de long, 4 m de haut, à hauteur de hanche : un crâne massif, une queue puissante, de larges membres postérieurs de bipède et de tout petits membres antérieurs, atrophiés, avec deux doigts griffus, de la taille des bras humains.

Son poids est estimé entre 5 et 7 tonnes.

Son joli nom scientifique de dinosaure, signifie simplement : "Roi des lézards tyrans".

Notre belle Sue était un super-prédateur logé tout au sommet de la chaîne alimentaire.

Son crâne imposant, en bon état de conservation, que j'ai pu admirer à Chicago, mesure 1, 53 m de long et pèse une tonne. Le véritable crâne est dans une vitrine ; sur le vrai squelette reconstitué, la tête est un moulage.

La place laissée dans ce crâne pour les attaches des muscles de la machoire est considérable, et autant dire qu'il n'en reste pas beaucoup pour le cerveau : 25 décilitre de matière grise!

Les dents de la machoire supérieure mesuraient jusqu'à 30cm de long...

On n'exclut pas par ailleurs que Sue ait été pourvue du plumes, ce qui devait lui donner fière allure...vue de loin.

Elle a été découverte le 12 Août 1990 dans le Sud-Dakota et acquise par le Musée Field de Chicago pour 8,36 millions de dollars.

Et puisque nous sommes dans les chiffres, sachez donc qu'il fallut 17 jours à 6 paléontologues pour exhumer Sue, et 2 ans à 10 techniciens pour nettoyer et réparer ses os, soit plus de 250!

Pour en revenir à ce Field Museum of Natural History : je l'ai trouvé absolument extraordinaire, gigantesque, fort bien aménagé, et documenté, riche de spécimens uniques ; il fut créé en 1893 et draine des foules considérables, en particulier lors de ses expositions temporaires.

J'ai passé de nombreuses heures dans l'exposition consacrée aux baleines, et je ne me suis pas ennuyé un seul instant...grâce aux pauses à la belle cafétéria...comme d'habitude dans les musées américains.

Quand Michel-Ange peignait son premier tableau, à 12 ans

2011-08-17T17:34:00.009+02:00

"La Tentation de Saint Antoine", premier tableau peint par Michel-Ange, à l'âge de 12 ans, vient d'être acquis par le "Kimbell Art Museum", ce merveilleux petit musée situé à Fort Worth, au Texas , que j'ai visité en mai de cette année : voir ma note ici.

J'ai donc pu y contempler avec admiration et saisissement cette petite merveille (47cm x 34cm), remarquablement bien conservée, qui a été exécutée par le jeune Michel-Ange à la tempera et à l'huile sur un panneau de bois, vers 1487.

Avant son acquisition par Kimbell, ce tableau était en restauration au Metropolitan Museum of Art à New York, une couche épaisse de vernis jaunâtre recouvrant en effet l'oeuvre.

"The Met Museum", qui effectuait de plus à son sujet des recherches techniques et historiques fut convaincu de son authenticité, mais n'avait pas les moyens de l'acquérir, dans un contexte de crise financière.

Le tableau était en effet auparavant propriété d'un collectionneur britannique, et fut revendu par Sotheby's à un marchand d'art new-yorkais, convaincu de son authenticité, pour la 'modique' somme de 2 millions de dollars.

On ignore le coût payé par le musée texan...mais si il s'agit bien là d'une oeuvre authentique de la main de Michel-Ange, cet achat est un sacré "coup" de la part du "Kimbell Art Museum"!

Ce tableau de jeunesse est en effet la première oeuvre de Michel-Ange à entrer dans une collection américaine!

Michel-Ange, l'un des plus grands génies de la Renaissance avait déjà manifesté son talent de sculpteur et de peintre dès l'adolescence.

En témoigne ce génial tableau précoce.

"Cette peinture fera encore l'objet d'études et de recherches pour de nombreuses années." a déclaré Eric Lee, directeur du Kimbell Museum.

Le jeune Michel-Ange s'est inspiré d'une gravure du Maître alsacien Martin Schongauer (1445, Colmar-1491, Breisach), réalisée vers 1470-1475, intitulée "Saint Antoine tenté par les démons. "

D'après la légende rapportée par Saint Anastase, le futur Saint Antoine, fils de paysans égyptiens, choisit de se tourner vers l'Evangile.

Il distribue ses biens et se retire au désert pour y vivre en ermite.

Le démon le soumet alors à de multiples tentations auxquelles le Saint résiste.

On observe l'impassibilité du vieil homme face aux traitements des démons...

On voit là représenté tout un monde d'être hybrides et fantastiques menant une ronde effrénée autour de Saint Antoine.

Ces monstres nous font penser aux oeuvres postérieures de Bosch ou de Grünewald.

Martin Schongauer était le fils d'orfèvre d'Augsburg venu s'installer à Colmar. Il tira très tôt profit du savoir-faire paternel comme en témoigne sa maîtrise de la gravure (qui était liée au travail d'orfèvrerie).

Cet oeuvre de Schongauer rencontra un vif succès, tant et si bien qu'au XVI° siècle, l'historien de l'art Vasari raconte que Michel-Ange en conservait un exemplaire dans son atelier florentin!

Mais le tableau de Michel-Ange en diffère par nombre de détails qui, d'après les experts, contribuent à en authentifier l'auteur, si besoin était.

Pour la petite histoire, les anciens biographes racontent d'ailleurs que Michel-Ange se rendait sur les marchés aux poissons et aux crustacés, alors qu'il peignait ce tableau, afin d'obtenir un rendu plus réaliste de ses monstres.

Erwin E. Smith, cow-boy et photographe

2011-08-11T09:06:00.013+02:00

Erwin E. Smith (1886-1947) photographe et cow-boy a toujours voulu être artiste et cow-boy.

Lorsqu'il était gamin, dans le comté de Fannin (Nord Texas) la légende de l'Ouest et des cow-boys ne faisait que commencer à prendre forme.

Le petit Erwin dessinait déjà indiens, longhorns, chevaux et cow-boys.

La littérature populaire et l'industrie cinématographique débutante commençaient dans les années 1880 à véhiculer une image romantique et souvent erronée de la vie des cow-boys.

Erwin Smith décida pour sa part de rendre hommage aux cow-boys et à leur vie rude et difficile, en en proposant des portraits aussi véridiques que possible.

C'est à cette époque (1908) qu'il réussit ce fameux auto-portrait ci-dessus, intitulé : "Erwin on Dexter"

Partant du principe qu'un photographe doit connaitre au mieux le sujet dont il se propose de rendre compte, Smith se saisit de toutes les occasions qui se présentaient à lui pour acquérir une véritable expérience personnelle de la vie de cow-boy.

Il travailla ainsi tous ses étés dans le ranch texan de son oncle, situé non loin de la "Great Western Cattle Trail", suivie, dans les années 1880, en direction du nord, par des milliers de longhorns (Voir une note, suite à mon passage en 2010 à Dodge City : ici et voir, en anglais, aussi ici).

Parallèlement, Erwin Smith s'était inscrit aux meilleures écoles d'art du Texas, où il pratiqua sculpture, peinture, dessin et photographie.

Il décida finalement de devenir photographe, afin de rendre compte au mieux de la vie des cow-boys.

Ses clichés sur plaques de verre rendent compte magnifiquement de la vie rude des cow-boys, telle qu'il l'a connue lui-même de très près, et nous offrent un témoignage saisissant et unique sur la vie au Texas au début du XX° siècle.

J'ai admiré quelques-uns de ses tirages, en mai 2011, lors d'une exposition au Musée Amon Carter à Fort Worth, à coté de Dallas, au Texas.

Convaincu que ce style de vie était appelé à disparaître devant l'avancée inéluctable de la modernisation, il a tenu a être témoin de son temps.

L'oeuvre de Erwin Smith, soit plus de 1500 clichés pris au Texas, au Nouveau Mexique et en Arizona, témoigne de son talent artistique, de son sens de la composition et de son expérience du terrain.

L'oeuvre remarquable d' Erwin E. Smith représente un témoignage exceptionnel sur une époque révolue, au delà des mythes sur le Far West!

Voir Mon site Photos

White Sands : un désert pas ordinaire, au Nouveau Mexique

2011-08-08T12:06:00.014+02:00

White Sands National Monument a été créé pour préserver les plus grandes dunes de gypse du monde, au Nouveau Mexique, soit 275 miles carrés.

J'ai eu l'occasion de les admirer lors de mon récent périple aux USA, en mai 2011.

La moitié seulement de ce site remarquable est ouverte au public. L'autre partie est un site militaire US.

Ces dunes de sable blanc brillant constituées de grains de gypse se sont formées au cours des 7000 ans passés.

Le Président américain Herbert Hoover a créé ce Parc en 1933, en raison de son grand intérêt géologique, de sa faune particulière (entre autre des lézards blancs uniques au site, des petits renards du genre fennecs, des serpents à sonnette, bien entendu!) et des plantes adaptées au sol alcalin, pauvre en nutriments, et composé essentiellement de gypse : on y trouve des acacias, des créosotiers, des yuccas, des agaves.

La possibilité d'y développer des projets pédagogiques n'a pas échappé aux législateurs américains.

Située dans le bassin de Tularosa, au Nouveau Mexique et cernée de montagnes, la cuvette de White Sands a accumulé au cours de millénaires du gypse provenant des Montagnes Rocheuses, qui y forme des dunes d'un blanc brillant étincelant.

Comment se fait-il que le sable soit ici composé uniquement de gypse, alors qu'on ne rencontre jamais ailleurs ce phénomène, pour la bonne raison que le gypse est soluble dans l'eau?

A White Sands, la pluie et la neige dissolvent effectivement ce gypse, mais il se dépose dans le bassin de Tularosa, qui forme un piège pour les eaux et tout ce qu'elles contiennent, le gypse en particulier, qui se retrouve alors en grandes quantités dans le Lac Lucero, qui est un lac épisodique.

Quand l'eau du Lac Lucero s'évapore, la sécheresse, le gel et le vent érodent le gypse en grins fins que le vent emporte vers les dunes, et le cycle recommence.

A noter : ces dunes avancent de 6m par an.

Le spectacle est grandiose, étincelant de particules blanches comme des petits diamants...et intenable par temps de grosses chaleurs, comme ce que j'ai eu à y subir (Plus de 100°F soit vers les 40°C à l'ombre, et de l'ombre, il n'y en a guère!)

Ce qui est intéressant à noter, dans le désert de White Sands, ce sont les terrains militaires proches.

C'est ici qu'on été expérimentés la première bombe atomique (en juillet 1945), de nombreux missiles, ainsi que de nouvelles technologies spatiales.

A la fin de la seconde guerre mondiale, c'est ici qu'ont été testés les V2, qui prenaient ainsi la suite de ceux qu'Hitler expérimentait à Peenemunde, et sous la responsabilité du même Werner Von Braun.

La navette Columbia y a plusieurs fois atterri.

White Sands, un désert vraiment peu commun : un des lieux les plus surprenants et magiques de l'Ouest américain, qui en compte pourtant un certain nombre!

Suisse : à pied sur le Walserweg, dans les Grisons

2011-07-31T14:15:00.015+02:00

Encore une randonnée magnifique : 5 jours passés en Suisse, dans les hautes vallées du Canton des Grisons, à suivre une partie du Walserweg, le "Chemin des Valaisans", un chemin historique aux paysages naturels et culturels époustouflants.

Ce sentier comporte 19 étapes, soit 300km.
Les 5 étapes que nous avons parcourues nous incitent à poursuivre notre découverte!

Mais tout d'abord, un rappel.

Le Canton des Grisons (GR), Graubünden en allemand, Grischun en romanche et Grigioni en italien, est le plus grand et le plus oriental des cantons de Suisse.
Ce nom fait référence à l'origine du canton sous la forme de trois alliances locales, les ligues grisonnes (ligues grises) regroupant la Ligue de la Maison-Dieu, la Ligue des Dix-Juridictions et la Ligue Grise.
La capitale en est Coire (Chur en allemand).

Ce canton est quasi entièrement montagneux, comprenant les hauts plateaux des vallées du Rhin et de l'Inn.

L'altitude des Alpes grisonnes est élevée, et culmine au Piz Bernina (4049m).

Les chaînes de montagne sont parmi les plus profondes d'Europe : c'est le paradis des randonneurs...et tout un monde de dénivelés.

Mais alors, qui étaient les "Walser" (Contraction de Walliser, ou Valaisans) dont nous avons suivi la trace?
Un peuple germanophone, venant de l'Oberland bernois, qui a colonisé vers l'an mille la vallée de Conches (Goms en allemand), dans le Haut Valais.

Après avoir colonisé la vallée supérieure du Rhône, une partie d'entre eux a commencé, vers 1270, à migrer dans toutes les directions (Suisse, Italie, Lichtenstein, Autriche).

Ces Walser se sont installés en haute altitude, à plus de 1500m, dans des régions inhospitalières et inhabitées, formant de nombreuses petites communautés parlant généralement le Walsertitsch, un dialecte alémanique.

Le peuplement des Walser se caractérise par un habitat dispersé et des maisons en bois reconnaissables entre toutes.

Ils se sont installés en particulier dans le Rheinwald (région de Splügen), le Safiental et la région de Vals, où nous nous sommes "aventurés".

Partis de San Bernardino (dans le Tessin), nous avons rejoint Hinterrhein par le paysage glaciaire du Passo del San Bernardino (2065 m), en 3h40 et 640m de dénivelé positif, en suivant les balises 35 des itinéraires suisses : voir ici.

C'est par ce col même que les premiers colons Walser arrivèrent dans les Grisons.

Le Walserweg historique nous a ensuite mené d' Hinterrhein jusqu'au col du Valserberg (2504 m), puis à Vals en 5h50 et 1050m de dénivelé positif.

Notre 3° étape : Vals -Turrahus nous a fait admirer des paysages grandioses malgré le temps "variable"tout au long des 5h30 et des 1250m de dénivelé positif, en franchissant le Tomülpass (2412 m).

Ensuite ce fut Turrahus - Safien Platz, (2h55 et 320m de descente) puis montée au Col du Glasspass (1846 m)...sous la pluie, soit 3h et 900m de montée. Nous avons admiré les belles bâtisses en bois aux toits de bardeaux ou de lauzes et les fameuses clôtures inclinées.

Notre dernière étape nous a mené du Col du Glasspass à Thusis, gros bourg des Grisons chargé d'histoire, par une descente agréable de 3h.

Durant des siècles, les habitants du Safiental randonnèrent avec bétail et marchandises par le Glasspass jusqu'à Thusis ; nous marchions aussi dans leurs traces!

Une très belle randonnée comme nous les aimons : sportives mais aussi historiques, nous menant à la découverte de la faune, de la flore et des habitants de ces hautes vallées des Grisons, à l'origine toujours mystérieuse.

Le photographe pictorialiste et cinéaste Karl Struss exposé à Fort Worth

2011-07-23T14:20:00.019+02:00

Lors de mon passage en mai de cette année au Texas, à Fort Worth, j'ai pu visiter également "The Amon Carter Museum", non loin du Kimbell Museum, dont j'ai déjà parlé ici.

"The Amon Carter Museum of American Art "nous offrait, entre autres, à l'occasion de ses 50 ans, une très belle exposition intitulée "Masterworks of American Photography: Artistic Communities".

Y étaient exposées des oeuvres remarquables des photographes américains Carlotta Corpron, Nell Dorr, Laura Gilpin, Eliot Porter, Erwin E Smith, et Karl Struss.
L'oeuvre exposée de Karl Struss m'a particulièrement frappé, compte tenu de mon intérêt pour les photographes pictorialistes, tels que Heinrich Kühn (dont j'ai parlé ici).

Karl Struss (1886-1981) s'est intéressé à la photographie dès l'âge de 17 ans.
Il a ensuite étudié à l'Université Columbia, à New York, avec Clarence H White.
Dès 1909 il met au point un "objectif pictorialiste" (Struss Pictorial Lens) qui introduit un léger flou et qui fut immédiatement très populaire auprès des artistes photographes de l'époque.

Il fut repéré par Alfred Stieglitz, qui publia huit de ses photographies dans le numéro d'Avril 1912 de sa fameuse revue "Camera Work" (Voir ici)
Karl Struss fit dès lors partie du Mouvement "Photo-Sécession" lancé par Stieglitz.

En 1916 il contribua à la fondation du Mouvement PPA (Pictorialists Photographers of America).

La photographie, inventée en 1839, fut tout d'abord considérée comme un procédé technique et scientifique capable de capter la réalité visible, mais bien indigne de faire partie des "Arts".

Le "Pictorialisme " fut, dès 1886 la toute première école de photographie qui allait tenter de revendiquer la position artistique du medium et de faire admettre la photographie parmi les "Beaux-Arts".

A noter pour la petite histoire que le mouvement pictorialiste se positionna vigoureusement en 1888 contre le premier appareil de marque Kodak dont le slogan était "You press the button, we do the rest."!

Après la I° Guerre Mondiale, Karl Struss devint directeur de la photographie à Hollywood et travailla avec des réalisateurs comme Cecil B DeMille ( entre autres pour Ben Hur), puis, plus tard avec Charlie Chaplin (Limelight).

A noter que Karl Struss fut le premier photographe pictorialiste à s'attaquer à des sujets dits "modernistes".

Voir Mon site Photos

8 jours à pied dans le Parc du Mercantour et ses Merveilles

2011-07-20T08:49:00.012+02:00

Un peu de silence, en effet, sur ce blog, pour cause de...randonnée! Etonnant, non?
Je suis retourné, à nouveau, avec deux amis, grands marcheurs devant l'Eternel, dans cette région que j'apprécie particulièrement : le Parc National du Mercantour, dans les Alpes Maritimes (Parc créé en 1979).

Je "fréquente" en effet ces montagnes depuis 40 ans, c'est tout dire, et il y a encore de quoi faire : 600km de sentiers!

On y trouve des paysages magnifiques de haute montagne, marqués par l'érosion glaciaire et karstique et émaillés de très beaux lacs, qui font la joie des randonneurs.

Ces paysages étonnants, à l'ambiance minérale, sont dominés par les 2872m du majestueux et énigmatique Mont Bégo, la montagne sacrée des pasteurs de l'âge du bronze.

L'empreinte de l'homme est partout présente dans ces cirques glaciaires depuis l'âge du chalcolitique et du bronze ancien, en particulier dans la Vallée des Merveilles et le cirque de Fontanalbe.

Près de 40 000 gravures rupestres s'y étalent sur des rochers ocres polis par les glaciers, les "ciappe", depuis 3000 ans avant notre ère.

Ces gravures mystérieuses suscitent nombre d'interrogations.

Des réponses précises et passionnantes nous sont apportées dans le beau"Musée des Merveilles" de Tende (Haute Vallée de la Roya, Alpes Maritimes). Elles représentent des animaux à corne, des armes, des êtres humains. Leur interprétation reste délicate, mais fait généralement référence à des préoccupations religieuses.

Nous avons pu également admirer, lors de cette semaine de randonnée magnifique, aux forts dénivelés et aux longues marches d'approche, une grande diversité de faune et de flore. On y rencontre chamois, bouquetins hermines et marmottes ; les loups y ont été réintroduits en 1993, au grand dam des bergers... Le temps n'était pas vraiment au grand beau fixe, mais nous n'avons pas eu à subir les orages qui souvent menacent et éclatent dans la zone du Mont Bégo, et qui ont suscité la crainte de nos ancêtres et contribué à cette aura de mystère qui enveloppe la Vallée des Merveilles.

Si vous aimez la montagne sauvage et mystérieuse (avec du dénivelé!) allez-y, c'est vraiment magnifique!

"The Kimbell Art Museum" : un merveilleux petit musée au Texas!

2011-07-08T20:41:00.013+02:00

La nature aux Etats Unis nous offre souvent des paysages exceptionnels, sidérants, démesurés, mais aussi de vastes étendues terriblement monotones et désolées, marquées souvent par les catastrophes naturelles. Les manifestations de la nature et ses déchaînements sont eux aussi exceptionnels, démesurés, terrifiants.

Ci dessous, un incendie au Texas.

Ce qui y est également démesuré et exceptionnel, ce sont les musées, qu'il s'agisse de galeries d'art antique, africain, de peintures de la Renaissance, ou des impressionnistes.

Il en est de même pour les musées d'histoire naturelle : gigantesques, bien documentés, pédagogiques, géants, pour tout dire : il faut des journées entières pour les découvrir et l'intérêt ne faiblit pas...mais l'épuisement guette!

Tous sont des fondations privées où l'argent du business a été réinvestit avec volonté et savoir faire.

Un petit musée déroge à ce gigantisme : le Musée Kimbell, dans le quartier culturel de Fort Worth, à côté de Dallas, au Texas.
Ce musée a été créé suite à la demande de Kay Kimbel, un industriel texan amateur d'art, d'établir un institut d'art pour le peuple du Texas.

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Nous avons étés littérallement transportés par la visite du "Kimbell Art Museum".

Un musée petit, à échelle humaine, et absolument merveilleux de par le choix des oeuvres qui y sont (bien) présentées.

Il s'y trouve relativement peu de peintures, de sculptures, mais un choix sensationnel et une très belle mise en valeur.

Déjà, l'architecture du batiment nous frappe par son originalité qui a pour effet de gérer parfaitement la lumière intérieure et de mettre ainsi les oeuvres en valeur : il a été conçu par l'architecte américain Louis Kahn (1901-1974), qui appartient à la génération qui a suivi celle des fondateurs du Modernisme (Voir ici). Des diffuseurs de lumière renvoient astucieusement la lumière naturelle depuis des fentes étroites situées au zénith.

Le Kimbell Art Museum, qui frappe le visiteur par ses grands espaces et son atmosphère paisible, a été ouvert en 1972.

Ce musée fort sympathique et convivial dispose qui plus est d'une cafétéria accueillante où nous avons (bien) déjeuné au pied d'une belle statue de Maillol, dans un patio relaxant.

Nous y sommes d'ailleurs allés deux jours de suite, c'est tout dire!-

Ce musée s'est rapidement avéré comme l'un des plus prestigieux musées des beaux arts des Etats Unis, offrant au public des oeuvres fascinantes de Picasso, Matisse, Bellini, Le Caravage, Le Greco, Rembrandt, Monet, Gainsborough, Vigée le Brun, Rubens, Mondrian, et j'en passe, mais à chaque fois une ou deux oeuvres maximum.

A noter le premier tableau peint par Michel Ange, la "Tentation de Saint Antoine", à 13 ans (!), acquis récemment. De haut en bas : Mantegna, Cézanne, Tête d'athlète (Grèce, 365-310 av J.C.), Maillol, Michel-Ange.

Le photographe Ansel Adams aux grottes de Carlsbad, au Nouveau Mexique

2011-07-05T20:06:00.018+02:00

Quelle ne fut pas ma surprise, et mon bonheur, en allant visiter les fantastiques grottes souterraines de Carlsbad (Eddy County), au Nouveau Mexique, en mai 2011 d'y découvrir, dans le hall d'accueil, une exposition de photographies du grand photographe américain Ansel Adams (1902-1984) prises en 1936.
J'ai déjà écrit une note à son sujet : ici.

Le Parc National des Grottes de Carlsbad a été créé le 14 Mai 1930 par le Gouvernement américain, et Ansel Adams a visité ce site remarquable plusieurs fois entre 1933 et 1942.

Le Service des Parcs Nationaux lui avait en effet demandé de faire un reportage photographique sur les parcs - c'était la période de la dépression - afin d'encourager les visites...et les subsides du Gouvernement Fédéral.

C'est dans ce contexte qu'il photographia les grottes de Carlsbad.

Ces grottes datent de 250 à 280 millions d'années.

Elles sont situées dans les montagnes de Guadalupe, au SE du Nouveau Mexique.

Là vivaient déjà des indiens il y a 12 ou 14 000 ans.

Les 2/3 du Parc (190 km2) constituent une zone préservée afin de sauvegarder entre autres la vie et la sortie massive des chauves-souris au crépuscule.

On y dénombre pas moins de 17 espèces, dont la Free-tailed Bat, soit au total plusieurs millions d'individus!
Le visiteur peut descendre à pied ou prendre directement un ascenseur qui le mènera rapidement 230 m plus bas.

La plus grosse de la vingtaine des grandes grottes accessibles aux visiteurs (The Big Room) de ce dédale souterrain a des dimensions époustouflantes : 1219m de long, 190m de large et 107m de haut ; c'est la 3° plus grande grotte des USA.

On y dénombre au total pas moins de 116 grottes.
Il s'y trouve des formations étonnantes de stalactites, stalagmites et draperies géantes.

A noter aussi le Puits sans fond (The Bottomless Pit) que l'on disait sans fond, car en y jetant des pierres, aucun bruit de chute n'en parvenait ; on a découvert plus tard qu'il était profond de 40m et que son fond était couvert d'une couche épaisse de poussières.

L'ensemble de ces grottes est classé au Patrimoine Mondial de l'Humanité par l'UNESCO.

La ville de Carlsbad fut créée en 1888 et le Nouveau Mexique devint un Etat en 1912.

Carlsbad tire son nom de la ville tchèque de Karlsbad, maintenant Karlovy Vary.

Pour en revenir à Ansel Adams : l'obscurité des grottes et la lumière artificielle devaient fatalement heurter la sensibilité du photographe et son penchant évident pour la lumière naturelle.

De ce fait, Ansel Adams était peu satisfait du résultat et considérait ses photos des grottes de Carlsbad comme "inabouties"...pour ne pas dire ratées, au vu de sa très grande exigence technique et artistique.
Il décrit les grottes de Carlsbad comme " quelque chose qui devrait n'avoir auncun lien avec les êtres humains, quelque chose qui est aussi distant qu'une galaxie, aussi incompréhensible qu'un cauchemard...et qui est malgré tout absolument magnifique."

Ansel Adams disait aussi :"Notre temps est court, et le futur long et de façon terrifiante. Croyant, comme nous nous devons de le faire, que les choses du coeur et de l'esprit sont les choses qui durent le plus, c'est pour nous l'occasion de nous servir de l'art comme d'un instrument puissant de révélation et d'expression des mouvements et humeurs de la nature sauvage.

Avec l'objectif photographique, aussi bien qu'avec le pinceau, ou le crayon, nous possédons un moyen rapide et sûr de toucher les consciences et de clarifier les façons de voir."

Voir Mon site Photo

A la découverte des "swamps" en Louisiane

2011-07-03T18:07:00.010+02:00

Mon voyage récent aux USA, à l'aventure, avec un ami, a été l'occasion de découvertes nombreuses et variées.

La découverte des "swamps" en Louisiane, par exemple, que j'hésite à traduire par "marais" ou "marécages", car c'est autre chose.

Il s'agit de zones forestières inondées (wetlands), avec de faibles profondeurs d'eau, composées principalement de variétés de cyprès d'eau, le "Bald Cypress" ou Taxodium Distichum (voir ici).

L'eau peut y être fraîche, saumâtre ou être de l'eau de mer infiltrée depuis les deltas avec la marée.

L'eau se déplace très lentement dans les swamps : elle forme des lacs ou des rivières aux multiples embranchements et méandres, tels que les bayous (du chocktaw "bayouk", signifiant sinuosité).

Dans les bayous de Louisiane, un courant très lent, non perceptible, va vers la mer à marée basse, et vers l'amont à marée haute.

Le "swamp" le plus important est justement situé au centre de la Louisiane : il s'agit du "Atchafalaya swamp", qui est un mixte de "wetlands" et de deltas de rivières se jetant dans le Golfe du Mexique.

L'un des plus beaux swamps est celui de Lac Martin, à côté de Lafayette, où j'ai séjourné 2 jours. C'est une réserve protégée.

Nous avons pu nous aventurer en barque sur le Lac Martin, guidé par un vrai Acadien (ou cajun) fort sympathique de Breaux Bridge : Norbert Leblanc, avec qui j'ai pu discuter, ayant parfois du mal à comprendre son français cajun.

Le whisky maison qu'il nous a offert de bon matin a sans aucun doute facilité la communication!

Norbert a passé sa vie dans les swamps, et il en connait les moindres recoins : c'est un vrai "cajun".
Il en connait parfaitement la flore, en particulier les lotus magnifiques, et les différentes variétés d'arbres si particuliers.

Mais il y a aussi la faune qu'il nous a fait découvrir: les alligators, les hérons, les égrettes, les ibis, les myocastors (ou coypu), les serpents venimeux (swamp mocasin, très bon nageurs).

C'est un monde du début de la création, dans lequel nous nous sommes aventurés avec étonnement, stupeur, émotion : un autre univers que celui dans lequel nous nous trouvions quelques jours auparavant : les immenses étendues texanes plantées de derricks et ravagées par les incendies.

Les bayous et les lacs tels que le Lac Lartin s'étendent sur tout le sud de la Louisiane et forment un réseau de milliers de kilomètres de boyaux navigables et d'étendues plus vastes qui sont de véritables paradis pour la faune.

Par extension, on appelle le Bayou cette grande région des swamps, en particulier dans la région de l' Acadiane.

Cet espace amphibie, que nous avons eu le bonheur d'approcher de près, est habité principalement par les cadiens, ou cajuns, tels que notre initiateur aux mystères des swamps, Norbert Leblanc ; ces cajuns francophones sont les descendants des Acadiens d'Acadie, déportés durant la seconde moitié du XVIII° siècle, en provenance de ce qui est aujourd'hui la Nouvelle Ecosse, l'Ile du Prince Edouard et le sud du Nouveau Brunswick suite à leur refus de jurer allégeance à la couronne d'Angleterre.

La déportation des Acadiens de 1755 est appelée Le Grand Dérangement (Voir ici).

La mémoire en est encore vivante dans les mentalités, et dans les lieux de souvenir et musées de la région de Lafayette.

Dans les pas des 40 000 soldats de Napoléon, au Col du Grand Saint-Bernard

2011-07-02T11:00:00.014+02:00

Dés le départ de notre randonnée de St Maurice (Suisse) à Aoste (Italie), nous mettions nos pas - 211 ans plus tard - dans les pas des 40 000 soldats de l'armée de réserve de Napoléon Bonaparte qui franchirent le Col du Grand St Bernard (2473m) le 23 Mai 1800, épisode qui marqua le début de la seconde campagne d'Italie.

La situation des armées françaises n'est alors pas brillante : les autrichiens assiègent à Gênes Masséna dont l'armée est décimée par les combats, la famine et les épidémies.

Le général autrichien Melas coupe l'armée française en deux, repoussant Suchet derrière le Var.

Le 18 Mai 1800, Bonaparte quitte Martigny et se met en route vers le Grand Saint Bernard.

Le 20 mai, monté sur une mule, et non pas sur le fier destrier tel que peint ci-dessus par David, et escorté par un guide, il gravit les sentiers escarpés vers le col.

Du 15 au 23 Mai, les 40 000 hommes gravissent la montagne avec difficulté et acheminent des tonnes de matériels, en particulier les canons logés dans des troncs d'arbres évidés pour en faciliter le transport.

Ils sont aidés en cela par la population locale (qui ne reçut jamais les indemnités promises...).

Bonaparte indique : "Nous luttons contre la glace, la neige, les tourmentes et les avalanches. Le Saint-Bernard, étonné de voir tant de monde le franchir si brusquement, nous oppose quelques résistances".

Bonaparte, en faisant passer ses hommes par le Col du Grand St Bernard, espère ainsi prendre par surprise l'armée autrichienne de ce fait divisée, occupée qu'elle est sur deux théatres d'opération.

Au même moment, le corps du général Moncey franchit le Saint-Gothard
et celui du général Tureau, le col de Montgenèvre.

Mais le 13 Juin, Bonaparte a encore du mal à localiser le gros de l'armée ennemie.

La bataille a finalement lieu le 14 juin (25 Prairial An VIII), à 8h du matin, près du petit village de Spinetta Marengo, dans le Piémont, à 70 km au nord de Gênes.

Pour l'armée française, attaquée par surprise, mal préparée, et...mal réveillée, l'affaire n'est pas loin de tourner au désastre, et les autrichiens considèrent déjà la victoire comme acquise.

Bonaparte envoie alors une missive en catastrophe au général Desaix :"Je croyais attaquer l'ennemi, il m'a prévenu! Revenez, au nom de Dieu, si vous le pouvez encore!

Desaix, en effet, avait été envoyé en éclaireur avec 7000 hommes repérer ailleurs l'armée autrichienne....difficile à localiser.

Desaix, s'inquiétant à juste titre pour son chef, qu'il admire, et, contrevenant aux ordres initialement reçus, se porte fort heureusement au secours de Bonaparte, créant un nouvel effet de surprise, qui offre de justesse la victoire au Premier Consul.

Cette victoire permit de conclure la guerre en cours entre la France et l'Autriche

Desaix sera tué, lors de cette bataille de Marengo, d'une balle en plein coeur.

Dès le mois de juin 1800, Bonaparte décide alors de faire ériger un tombeau à sa mémoire à l'Hospice du Grand Saint Bernard, bien que Desaix n'y soit jamais passé avec ses soldats.

Il avait en effet été très impressionné par le passage du Col et par l'Hospice où il avait séjourné et avait décidé d'y faire déposer les restes de son ami et sauveur.

Le corps du jeune général, demeuré à Milan depuis 1800 fut inhumé à l' Hospice du Grand Saint Bernard en 1805 en présence du général Berthier représentant l'Empereur.

Un monument du sculpteur Jean-Guillaume Moitte fut installé dans la chapelle de l'Hospice en 1806, puis déplacé à son emplacement actuel, au pied de l'escalier central, en 1829 en tant que cénotaphe (monument funéraire qui ne contient pas de corps).

Desaix repose anonymement dans la chapelle de l'Hospice du Grand Saint-Bernard, sous l'autel consacré à Sainte Faustine.

Voir ci-dessous la photo du monument à Desaix, au pied de l'escalier central de l'Hospice, tel que nous avons pu l'admirer

A pied sur la Via Francigena, entre la Suisse et l'Italie

2011-06-29T08:20:00.020+02:00

Nous venons de passer une semaine à pied sur une portion de la Via Francigena, de Saint-Maurice, en Suisse, à Aoste, en Italie.

Le point culminant, étape phare de notre randonnée, (qui est aussi celui de toute la Via Francigena) fut le passage, tant redouté en hiver par les voyageurs aux siècles passés, du Col du Grand Saint Bernard et notre court séjour à l'Hospice du Grand Saint Bernard ( 2473m).De randonneurs, au fil des étapes, nous nous sommes tout naturellement transformés en pélerins.
La Via Francigena, qui mène les pélerins de Canterbury à Rome passe, après le franchissement de la Manche, entre autres, par Arras, Reims, Châlons-en-Champagne, Bar-sur-Aube, Langres, Besançon, Pontarlier, puis, en Suisse, par Lausanne, Saint Maurice, le Col du Grand Saint-Bernard, puis, en Italie, par Aoste, Ivrea, Pavie, Poggibonsi, Sienne, Viterbe, et rejoint Rome par la Via Triumphalis.

Auparavant, une bonne partie du trajet suit l'antique Via Cassia.

Ouverte il y a 2000 ans, pour le franchissement des Alpes, la Via Francigena (La "Voie des Francs") reste, après la chute de l'Empire Romain, l'un des principaux passages alpins, qui voit circuler marchands, soldats et ...têtes couronnées.

Dès 1300, la Via Francigena est devenue l'un des trois grands itinéraires chrétiens (pour les pélerins venus du Nord des Alpes), avec le Chemin de Saint Jacques (pour les pélerins venus du Nord des Pyrénées) et le pélerinage aux lieux Saints (Bethléem, Jérusalem).

L'itinéraire principal de la Via Francigena suit le tracé du voyage entrepris en 990 par Sigéric, archevêque de Cantorbery, qui se rendit à Rome, pour recevoir des mains du Pape Jean XV le pallium, ornement liturgique catholique.

Sigéric a pris soin de décrire son voyage de retour, de Rome à Cantorbery, dans un document (plus anciennement attesté que celui de Compostelle et qui est conservé à la British Library), qui détaille les 79 étapes de son itinéraire, et qui sert de base à l'itinéraire actuel.

Les archevêques de Cantorbery et York, au XII° et XIII° siècles, continuèrent la tradition de se rendre à Rome pour recevoir le pallium.

Le balisage, en Suisse et dans le Nord de l'italie intègre la figure d'un pélerin.

L'association "Via Francigena", fondée à Martigny, en Suisse, en 1997, publie des guides, développe le balisage et les structures d'accueil.

Ce chemin, guère fréquenté avant l'an 2000 reprend vie, non seulement en Suisse, mais aussi en Italie, par un projet regroupant plusieurs régions d'Italie, sous l'égide du Ministère de la Culture.

La Via Francigena est repérée en Suisse par le numéro 70 sur les balises, les guides papier et on-line de "Myswitzerland". Voir ici.

Le circuit de 8 jours que nous avons entrepris passe par des paysages variés, alpestres, absolument magnifiques, s'aventure à partir de Martigny dans un défilé taillé par la Dranse, et gravit le versant Nord du Grand Saint Bernard, avec un dénivellé de 1100m depuis Bourg Saint Pierre.

J'avais pu parcourir une autre section de la Via Francigena, en septembre dernier, lors d'une randonnée en Toscane, celle qui mène de Poggibonsi à Sienne.

En résumé, une magnifique randonnée sportive et amicale, régénérante pour le corps, l'esprit et l'âme!

P.S. : je rajoute (en date du 24 Juillet) cette info transmise par un ami : ici.

"On the road again" : de l'Arizona à Chicago

2011-06-17T15:55:00.006+02:00

Le promeneur du 68 est de retour des Amériques, car elles sont plurielles, les figures des Etats Unis, autant que celles des Etats et des populations qui les composent.

J'ai pu à nouveau m'en rendre compte, lors de ce périple singulier avec mon copain américain, tout au long de ces 6500 km parcourus ("On the road again"!) en 3 semaines, plus ou moins à l'aventure.

Un minimum de préparation nous a en effet été nécessaire pour parcourir l'Arizona, le Nouveau Mexique, le Texas, la Louisiane, le Mississippi, le Tennessee, l'Arkansas, le Missouri et l'Illinois.

Et pour finir : l'incontournable Festival de Blues dans cette belle ville de Chicago.

Des rencontres, prévues et imprévues, parfois surprenantes, toujours enrichissantes.

Une population métissée, mexicaine, indienne, chinoise, d'origine des pays de l'Est, d'Irlande,...

Des paysages à couper le souffle et d'autres d'une monotone aridité.

Du désert surchauffé d'Arizona aux moiteurs des bayous de Louisiane.

Des animaux : oiseaux insolites, alligators,...dans des lieux de début du monde.

Des musées absolument remarquables, en particulier à Fort Worth, près de Dallas, mais aussi à New Orleans et à Chicago.

Tout est là, dans ces fondations privées : la Renaissance, les impressionnistes, les gravures, l'art africain...

En résumé, un voyage plein d'amitiés et de découvertes, dont je me remets progressivement : fatigue, grande chaleur (vers les 40°!) dans les Etats du Sud, décalage horaire et impressions encore toutes vivantes dans la mémoire et dans le coeur!

A bientôt sur ce blog, pour la distillation de mes petites notes, mais auparavant, le promeneur du 68 part avec ses bons amis randonner de Martigny (Suisse) à Aoste (Italie) et franchir en 8 jours le Col du Grand St Bernard, histoire de récupérer!

De retour en Amérique, avec Tintin : "on the road again"

2011-05-19T10:12:00.016+02:00

Le Promeneur du 68 continue cette année à "faire la route" sur les traces de Tintin, en Arizona, au Nouveau Mexique, au Texas, en Louisiane, au Mississippi et à Chicago...

"On the road again", avec un bon copain américain, as usual.

Nous allons partir à l'aventure dès ce dimanche, au départ de Phoenix, Arizona, et pendant trois semaines, qui se termineront par le formidable Festival de Blues de Chicago, tout comme en 2010 à la même époque.

Cette année, au programme : nature, parcs nationaux, jazz, blues, musique cajun, musées et rencontres, prévues tout autant qu'imprévues...et pas mal de route, of course : à peu près 4000 miles en 3 semaines!
Donc, silence radio sur ce blog pendant plus de trois semaines, le temps de reprendre pied au retour.
Portez vous bien : je vous souhaite tout le meilleur!

Salif Keita à Mulhouse : un grand moment d'émotion

2011-05-19T08:36:00.006+02:00

Hier soir, à La Filature à Mulhouse, un grand moment avec Salif Keita, la "Voix d'or malienne".

J'attendais cette soirée avec impatience, étant très touché par sa musique et sa personnalité hors du commun.
Touché aussi de par mes liens avec le Mali.

Il s'était décommandé en Janvier 2010 au Festival de musique du désert, à Tombouctou, où nous l'attendions tous.

Je n'ai pas été déçu et la foule enthousiaste du public de La Filature non plus.

Nous étions tous debout, dansant entre les rangs, pris par son chant et la musique formidable de son orchestre.

Salif Keita est un artiste d'une générosité peu commune.

Militant de la paix, il s'attelle depuis plus de quarante ans à tisser des liens multiples entre l'Afrique et le reste du monde.

Au gré des rencontres et des voyages, il ne s'est jamais départi de ses racines et de sa culture mandingue.

Il reste à jamais marqué par le fait qu'il soit albinos, et qu'il ait du de ce fait s'affirmer face aux rejets dont il était l'objet.

Rejeté également car devenu chanteur alors qu'il est de la descendance noble des Keita, et que le chant est réservé aux griots...

Qu'il chante en malinké, en bambara ou en français, il nous entraine avec sa voix rauque, chaude et puissante, qui ne peut laisser personne indifférent...

Il sait traduire les émotions avec une justesse et une poésie forte qui nous touchent, en tout cas qui m'a touché, et j'en étais fortement ému tout au long de ce spectacle entraînant à plus d'un titre!

Et, bien entendu, son "tube", magnifique, "La Différence"a fait vibrer la salle :

"Je suis un noir, ma peau est blanche, et moi j'aime bien ça, c'est la différence.

Je suis un blanc, mon sang est noir, moi j'adore ça, c'est la différence qui est jolie."

Il mèle dans sa musique guitares et basse aux percussions et cordes traditionnelles.

Accompagné sur scène de dix musiciens, il nous délivre un message d'humanisme, de tolérance et d'optimisme!

Ecoutez le dans "Moussoolon" :

http://www.youtube.com/watch?v=lAuRkiXJP1c&feature=related

Die Walküre : magie wagnérienne au Met

2011-05-17T18:02:00.020+02:00

Le samedi 14 Mai, retransmis depuis le Met de New York : "Die Walküre", ou "La Walkyrie", l'oeuvre célèbre entre toutes de Richard Wagner : un spectacle grandiose!
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Magie, tout au long de ces 5 heures (avec 2 entr'actes).
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Magie de l'orchestre du Met sous la direction précise, affutée et lyrique de James Levine, au service de cette oeuvre fameuse, puissante et expressive.
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Magie du metteur en scène Robert Lepage, dont nous avions déjà vu en octobre 2010 un "Or du Rhin" fabuleux : ce génie de la mise en scène réinvente un opéra total grâce à une machinerie composée de lames pivotantes qui se font tour à tour plateformes où évoluent les interprètes, et décors aussi magiques les uns que les autres.

L'enchantement est garanti et tout cela fonctionne merveilleusement, y compris, et de façon surprenante dans le temps fort de cet opéra, la Chevauchée des Walkyries ( prélude de l'Acte III, scène 1)

Magie

du couple Siegmund/Sieglinde : Jonas Kaufmann (ténor) et la belle Eva-Maria Westbroek (soprano) interprètent de façon fabuleuse la passion puissante et sans partage que se vouent les deux jumeaux maudits.
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Magie du couple Wotan/Brünnhilde : Bryn Terfel (baryton-basse), puissant et magnifique et Deborah Voigt (soprano), absolument excellente dans le rôle-titre, incarnent de manière forte et émouvante l'amour entre le dieu et sa fille, la Walkyrie.
Sans oublier Stéphanie Blythe (mezzo-soprano) dans le rôle de Fricka, apparition étonnante!
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Le Met nous a offert ce soir-là les meilleurs interprètes wagnériens du moment!

L'adieu de Wotan à Brünnhilde est majestueux et émouvant : il n'y a rien de comparable à cette scène dans toute l'oeuvre de Wagner.
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Jamais sa musique n'a atteint ce point de beauté tendre et funèbre, dans la partition vocale, et par les beaux motif du Sommeil, du Feu Magique et de Siegfried.
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Vers la fin réapparait le murmure menaçant du motif du Destin...
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Brünnhilde sera sauvée de l'ignominie, Sieglinde pourra donner naissance à Siegfried...mais la malédiction d' Alberich continue de menacer la race des dieux!
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Et c'est la Walkyrie qui annoncera la chute des dieux et la venue d'un homme libre et neuf...
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Ecoutez Sigmund/Sieglinde : http://www.youtube.com/watch?v=AcYmsXCjF0k&NR=1 -

Ecoutez également Wotan/Brünnhilde : http://www.youtube.com/watch?v=wFpoHcXtLJA&NR=1

"Essential killing" : un chemin de croix en blanc et rouge

2011-05-10T14:56:00.014+02:00

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C'est un calvaire que traverse "Mohammed", un chemin de croix silencieux dans le blanc de la neige et le rouge du sang qui peu à peu s'égoutte.
La lente montée d'un Golgotha...

Il s'agit de "Essential killing", un film de Jerzy Skolimovski (2010)

Tout d'abord un pays sans nom fait de sable : Afghanistan, Israel, ou ailleurs encore?

Ensuite un pays sans nom, autre terra incognita, fait de forêts, de neige et de glace : Canada, Pologne?

Pour un homme sans identité (un terroriste? Un homme terrorisé, surtout) en fuite éperdue, un homme fait de rage, d'instinct animal de survie, même s'il faut tuer pour cela : à la fois proie et prédateur.

Et puis le bruit, assourdissant des hélicoptères, des lance roquettes, des hurlements d'officiers imbéciles.

Et puis le silence des forêts et des espaces blancs et glacés, interrompu par les tronçonneuses, les hurlements des chiens et des loups.

Pas une parole prononcée par un Vincent Gallo absolument époustouflant, en fugitif radicalement étranger au monde, partout piégé : dans le camp (Gantanamo?), par les liens qui l'entravent, par un piège à loups, coincé sous un tronc d'arbre, enfoui dans la neige.

La seule personne, être humain, une femme, auprès de qui le fugitif trouve un moment de secours et un éclair d'humanité est sourd muette (Emmanuelle Seigner, magnifique, dans sa brève apparition).

Et puis une opposition, un contraste choc entre ce qui se vit, dans cette fuite éperdue, avec les évocations délavées en bleu/rose de ce qui a du être une vie antérieure, "avant" que tout cela n'arrive, une vie terne bercée par les invocations répétitives d'un formattage religieux.

Les couleurs sont dures, contrastées, en blanc, noir et rouge sang dans ce qui est maintenant vécu avec une intensité incroyable imposée par les évènements et à laquelle on n'a pas le choix de faire ou de ne pas faire face : il faut survivre et résister.

Une situation absurde : perte de sens.

Une fuite qui est aussi l'occasion d'un contact forcé avec les éléments (terre, eau, air, feu) et avec les animaux (se nourrir de fourmis, d'un poisson juste péché, dévoré cru, être proche de cerfs et de daims qui n'en sont pas effrayés pour autant, approché, et accepté par une horde de loups, comme si le fugitif était l'un des leurs...) : confusion d'identités.

Cette forêt ne réserve au fugitif que des épreuves : à peine libéré d'un piège, il est à nouveau captif d'une façon ou d'une autre!

Ce calvaire est un véritable chemin de croix qui amène cet homme au bout de lui même : le supplicié termine sa folle errance vers la mort préssentie, porté par un cheval blanc magnifique, dans une ultime communion apaisée avec la vie animale et la nature.

Vincent Gallo illustre à merveille cette animalité.
Avec des yeux de fou, de feu, de loup traqué, il porte à lui seul ce film splendide et dur, sans prononcer une seule parole.
Au delà des mots.
Par delà le bien et le mal.

Skolimovski , ci-contre, réussit à situer, paradoxe, cette traque éperdue totalement hors du temps : une oeuvre de créateur admirable!

Je suis enchanté d'avoir pu découvrir ce réalisateur dont j'ignorais l'existence, par la note enthousiaste de JCMEMO (voir ici) . Merci à toi!

Exposition "Dogon" au Musée du Quai Branly : retrouvailles et découvertes

2011-05-09T10:04:00.010+02:00

Je ne pouvais pas manquer la très belle exposition sur les Dogons au Musée du Quai Branly à Paris!

Ayant parcouru une partie du Pays dogon à pied en Janvier 2010 et Janvier 2011 avec mon ami dogon, je suis allé, là-bas, de découvertes en émerveillements.

Nous sommes allés marcher et crapahuter dans la plaine du Séno, dans la falaise de Bandiagara, et sur une partie seulement du plateau.

Donc, je n'ai pas vu les zones Nord du plateau (où on trouve la statuaire Tintam, N'Duleri et Tombo), ni sa partie Ouest (statuaire Djennenké), mais j'ai pu voir dans les zones visitées des statues récentes qui s'inspirent de ces styles.

En effet, l'art de la sculpture est toujours vivant dans les villages dogons.

J'ai pu observer un sculpteur qui commençait une grande statue, et lorsque je suis repassé quelques jours plus tard, elle était déjà terminée...

J'ai découvert, lors de mes périples, les styles Komakan, Tellem, Niongom, Bombou-Toro, sans parler de ma visite à Songo et à la grotte des circoncis, dont il est par ailleurs question dans l'exposition.

Avant d'être frappé, estomaqué, par la statuaire, les masques, les portes de greniers à mil, les piliers de togu-nas, ainsi que le travail des forgerons, j'ai découvert la gentillesse et la droiture des Dogons.

En janvier 2011, comme je l'ai signalé dans une note précédente, il n'y avait plus de touristes dans la falaise : l'atmosphère y était d'autant plus magique et bouleversante.

Mais mon intérêt pour les Dogons et leur statuaire ne date pas de ces voyages.

Il y a des années, lorsque j'ai commencé à fréquenter régulièrement le Musée Dapper, à Paris, et lors d'une visite à la Fondation Barbier-Muller à Genève, j'ai été sidéré par la statuaire Tellem (les prédécesseurs des Dogons dans la Falaise de Bandiagara).

Ces statues sont en effet stylisées et recouvertes d'un épais enduit craquelé provenant de libations de liquides sacrificiels (bouillie de mil, sang,...), d'une gangue croûteuse, qui revêt les objets d'un manteau de grumeaux.

Elles datent d'une période entre le XIV° et le XVI° siècle.

Je les ai d'autant plus trouvées émouvantes que la plupart d'entre elles ont les bras levés vers le ciel : des hommes debout (et souvent des figures hermaphrodites), les bras tendus à toucher le ciel comme un point d'exclamation.

Cette statuaire reste pour moi un emblème mystérieux de l'art dogon tout entier.

Dans les grottes du sud de la falaise de Bandiagara, on a retrouvé des effigies Niongom (I° siècle avant J.C. -III° siècle après), plus anciennes que celles des Tellem : ceux-ci s'en seraient inspirés, et ensuite les Dogons.

J'étais d'autant plus heureux, et, je dirais, ému, de revoir cette statuaire Tellem lors de l'exposition!

Je signale cependant que quelques statuettes Tellem sont visibles dans les collections permanentes du Musée.

J'étais heureux, donc, de trouver également ces statues Niongom.

Les Niongom ont ensuite cohabité avec les Tellem le long du Sud de la Falaise, avant l'arrivée des Dogons venus du Mandé, vers le XV° siècle mais ils furent les premiers à occuper les grottes situées à flanc de falaise.

Les statues niongom ne peuvent être confondues avec aucune autre, ni avec celle des Tellem, ni avec celle des Djenennké ou des N'Duleri.

En effet, le sculpteur tire parti de la forme naturelle des morceaux de bois qu'il utilise : l'extémité d'une branche noueuse peut suggérer un visage, etc,...

Les sculpteurs actuels de la région de Tirelli pratiquent encore ce style!

Voila pour les retrouvailles.

Je reviendrai sur mes découvertes , à l'occasion de cette belle exposition : la statuaire Tintam, N'Duleri, Tombo, Djennenké...

L'occasion, certainement, pour moi, de préparer le voyage suivant...

En tout cas, pour m'y préparer et approfondir, je lis en ce moment "L'Afrique Fantôme", journal tenu par Michel Leiris lors de l'expédition Dakar-Djibouti, organisée en 1930 par Marcel Griaule, le "découvreur" des Dogons.

Je vous le recommande, ainsi que "Dieu d'eau" de Marcel Griaule.

A suivre!

Le Trouvère de Verdi, au Met, dominé par Dmitri Hvorostovsky

2011-05-08T22:33:00.009+02:00

Le samedi 30 avril, j'ai assisté à la retransmission du Trouvère de Giuseppe Verdi, depuis le Met, à New York, au Kinépolis de Mulhouse.

J'attendais beaucoup de cette représentation.

J'avais en effet assisté il y a déjà longtemps à une représentation du Trouvère à l'Opéra de Prague, qui m'avait laissé un souvenir indélébile, même si j'ai oublié depuis quels en étaient les interprètes.

J'avoue avoir été relativement déçu par le spectacle du Met.

Cherchant un qualificatif pour décrire mon sentiment global, je ne peux que reprendre les termes de mon ami bloggeur JCMEMO (voir ici) : un opéra assez terne, mis à part la prestation du baryton russe Dmitri Hvorostovsky, que j'ai découvert à cette occasion.

C'est un baryton à la voix chaude et sensuelle et qui m'a donné l'impression d'être une véritable star du bel canto, et d'avoir un fan club bien actif.

C'est un "beau mec" à la chevelure argentée et à la forte présence sur scène, qui a la réputation d'être ...le "baryton le plus sexy du monde"...

Il est désormais quelque peu gêné de se faire rappeler l'article du magazine Elle de 1996, qui le sacrait ...l' "Elvis de l'Opéra"!

"Dima", comme l'appellent ses intimes, né en 1962 à Krasnoyarsk, semble être un paradoxe vivant, à la fois chaleureux et froid comme la glace!

Il est vrai que son physique et sa voix font de Hvorostovsky une force de la nature, et c'est sans difficulté, qu'en tant que Comte de Luna, il domine cet opéra bien terne par ailleurs.

Le ténor argentin Marcelo Alvarez à la voix sensuelle et au timbre chaleureux m'a semblé complètement écrasé, dans ce rôle de Manrico...face au Comte de Luna déjà cité.

C'est pourtant un ténor très demandé par les scènes du monde entier.

Quant à la soprano américaine Sondra Radvanovsky, elle se défend avec énergie et courage dans le rôle de Léonora.

Le Trouvère est le second volet de la trilogie de Verdi, entre Rigoletto et La Traviata.

Cet opéra met en scène les ressorts habituels des opéras de Verdi, et qui font leur grand interêt, à mes yeux : pouvoir, vengeance, sentiments filiaux exacerbés...et dans ces affrontements, l'amour sort désespérément vaincu.

En tout cas, il est à noter que l'écriture vocale de Verdi, dans cet opéra, requiert de la part des interprètes une énergie et une vaillance hors du commun.

Quoiqu'il en soit, Dmitri Hvorostovsky emporte la palme, et de loin, dans cette représentation.

Ecoutez le , dans un extrait du "Trouvère", en version orchestrale :

http://www.youtube.com/watch?v=1YcgjgSvGQo

Il y a 720 ans, au Rütli, naissait la Confédération Helvétique

2011-04-27T09:48:00.014+02:00

Lors de notre magnifique randonnée sur le "Chemin Suisse" (voir ici), nous sommes passés dans la prairie du Rütli (en Allemand : "petite prairie"), conscients que ce lieu était chargé d'Histoire et d'histoires, et faisait partie des mythes fondateurs de la Suisse.

Le Rütli est situé dans le canton d'Uri, sur la commune de Seelisberg.

En effet, en 1291 (très exactement le 1° Août) se réunissaient dans cette même prairie du Rütli (ou Grütli), au dessus du Lac des Quatre-Cantons (de sa partie appelée Lac d'Uri) des représentants de 3 communautés paysannes des "pays forestiers" (Waldstaten), qui voyaient leur autonomie menacée par Rodolphe I° de Habsbourg, dont les domaines cernaient et empiétaient de plus en plus sur leurs territoires.

A noter que le Lac des Quatre-Cantons s'appelle aussi Vierwaldstättersee (Lac des quatre "pays forestiers").

Les trois cantons de Schwyz, d' Uri et d' Unterwald décident alors de faire front, prenant exemple sur des villes italiennes qui avaient réussi à conquérir leur autonomie.

Les représentants des trois cantons font ainsi, au Rütli, le serment de se défendre ensemble contre les Habsbourg, de se prêter secours, de n'accepter aucun juge étranger, de trancher leurs différents par l'arbitrage des plus sages,...

Le pacte rédigé en latin, est conclu pour l'éternité et aurait été signé par Walter Fürst, Werner Stauffacher, et Arnold de Melchtal.

Il est conservé aux archives de Schwyz.

"Les hommes de la Vallée d'Uri, de la Communauté de la Vallée de Schwyz, et de la Vallée Inférieure d'Unterwald, considérant la malice des temps, et à l'effet de se défendre et maintenir avec plus d'efficacité...." prenaient l'engagement "de s'assister mutuellement et de toutes leurs forces, de se prêter secours et bons offices, tant au dedans qu'au dehors du pays, envers et contre quiconque tenterait de leur faire violence, les inquiéter ou les molester en leurs personnes et en leurs biens."

Dès le début du XVIII° siècle, le Rütli est le lieu de réunions patriotiques suisses.

Le terrain appartient désormais à la Confédération, comme "bien national inaliénable".

En 1891, les Suisses ont fait du 1° Août leur Fête Nationale, et chaque année, cet endroit est un haut lieu du patriotisme helvétique.

L'un des plus importants évènements historiques récents lié au site du Rütli a eu lieu le 25 Juillet 1940 lorsque le général Henri Guisan a réuni là les cadres de l'armée (les 500 plus hauts officiers) pour appeler à la résistance nationale face à l'encerclement par les forces de l'Axe.

Cet évènement est connu sous le nom de "Rapport du Grütli".

Un conflit de type "guérilla"sur le terrain difficile que sont les montagnes suisses semblait alors être, au yeux de l'Etat Major suisse suffisamment décourageant pour que l'Allemagne ne tente pas une incursion sur les terres helvétiques...

La stratégie consistait aussi à "garder en main les passages alpestres" fondamentaux et éventuellement les détruire pour bloquer la progression des troupes de l'Axe.

Pour bon nombre de personnalités étrangères, un arrêt au Rütli est un passage obligé, lors de la visite de la Confédération Helvétique.

Le Roi Louis II de Bavière s'est rendu plusieurs fois au Rütli.

En 1980, la Reine d'Angleterre s'est rendue au Rütli en bateau à vapeur...

Ce lieu est difficile d'accès et le meilleur moyen pour y parvenir est de prendre le bateau depuis Brunnen, et c'est ce que nous avons fait.

Ce fut une halte reposante avant la montée des 350 m vers Seelisberg.